A Cora Páez de Topel Capriles

A Cora Páez de Topel Capriles
A Cora Páez de Topel Capriles, gran amiga de Aziz Muci-Mendoza, él le recordaba al compositor de mediana edad Gustav von Aschenbach, protagonista de la película franco-italiana "Muerte en Venecia" (título original: Morte a Venezia) realizada en 1971 y dirigida por Luchino Visconti. Adaptación de la novela corta del mismo nombre del escritor alemán Thomas Mann.Se trata de una disquisición estético-filosófica sobre la pérdida de la juventud y la vida, encarnadas en el personaje de Tadzio, y el final de una era representada en la figura del protagonista.

sábado, 20 de septiembre de 2014

Catapultado actualmente por la crítica más exigente entre los artistas vivos y activos más importantes del mundo, Arturo Herrera es hoy por hoy el creador visual venezolano de mayor reconocimiento, proyección y visibilidad internacional.

Hábitat Plus Venezuela

La fragmentación en Arturo Herrera

12/06/2013
POR INÉS YÁNES/ FOTOS CORTESÍA DEL ARTISTA

Catapultado actualmente por la crítica más exigente entre los artistas vivos y activos más importantes del mundo, Arturo Herrera es hoy por hoy el creador visual venezolano de mayor reconocimiento, proyección y visibilidad internacional. Por sólo citar un ejemplo claro de su talla y significación, habría que señalar que su obra está representada en las coleccionespermanentes de los museos más importantes del epicentro de las artes del planeta, la ciudad de Nueva York: el Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art, y el Whitney Museum of American Art, privilegio reservado únicamente a grandes creadores. La primera exposición individual enVenezuela de este sobresaliente caraqueño universal se realizó en el año 2009 en la Sala TAC, del Trasnocho Cultural, enCaracas, con la curaduría de Miguel Miguel García
Este prolífico artista del collage y de las esculturas en fieltro, modestamente, nos da una larga lista de artistas que lo influenciaron en su formación: Arturo Michelena, Francisco Narváez, Gego, Jesús Soto, Marisol Escobar, Alejandro Otero, Cruz-Diez y Reverón, como coterráneos, y por otro lado Matisse, Jean Arp, Alexander Calder, Borges, Picasso, Paul Klee, Joan Mitchel y Jackson Pollock. Su trabajo más temprano muestra series de collages hechos con imágenes de caricaturas de Disney, que ya forman parte de una culturapopular universal. Y pasando por la fotografía, la pintura sobre pared, el dibujo a grafito y laescultura en fieltro y MDF, capa tras capa, rasgado tras rasgado, nos muestra un mundo complejo conformado por la fragmentación y yuxtaposición que busca la identificación del espectador a través de la memoria. Pareciera tratarse de una nueva comprensión del artecontemporáneo, que da cuenta de imágenes para las que el juego y la experimentación son base fundamental. Es así como Arturo Herrera, ahora residenciado en Berlín, nos acerca a su trabajo:

Toparse con la multitud de imágenes plasmadas en algunos de tus trabajos, puede ser, en una primera mirada, abrumador, pero segundos después logras que el espectador encuentre el camino a través de algunos fragmentos con los cuales se identifica y con los que compone una red. ¿Ese proceso representa el caos o se trata de una trama que es compleja pero inteligible?

El elemento esencial de la técnica del collage es el fragmento. Éste puede ser de cualquier tipo de papel o de cualquier material que se adhiera a una superficie plana. Cada trozo trae consigo numerosas referencias propias que crecen instantáneamente al ser combinados con otros fragmentos. Esta yuxtaposición crea un caos organizado con diversos puntos de entrada para que la audiencia establezca una relación única con la imagen. Este lazo permite que el collage se manifieste como una fuente rica, de múltiples asociaciones visuales y conceptuales.

Viendo tus collages y leyendo algunos textos sobre tus trabajos, en donde se habla de la fragmentación y de la relación del collage con la ópera como un proceso que conjuga las partes o un ensamblaje de elementos para formar un todo, me pregunto si podría ser esta relación una analogía de la vida misma.

La ópera y el collage funcionan de una manera similar. Una producción operática es un esfuerzo colectivo que reúne una gran cantidad de talentos e ideas para plasmar la visión del director, mientras que en el collage el artista se concentra en el ensamblaje de elementos dispares, pero reconocibles, para crear una imagen nunca vista. Se podría decir que la ópera nos retrata de una forma monumental y el collage muestra la vida reorganizada y recompuesta en múltiples configuraciones.

Hay en tus obras una relación que parece una dicotomía entre la figuración y la abstracción. ¿Cómo logras, en la práctica, unir estas dos maneras de expresarse?

La abstracción y el collage como técnicas del arte moderno son relativamente recientes y aún fértiles en posibilidades. Es importante seguir investigando críticamente la historia de esta práctica y lo que puede seguir aportando al lenguaje visual del siglo XXI. Los pedazos de papeles de revistas, telas, dibujos míos, periódicos, libros de cuentos, etc., ya tienen un pasado mismo que al ser forzados a convivir con otro tipo de fragmentos se convierten en manifestaciones abstractas. Es esta relación entre la identificación del fragmento y el nuevo papel que juega en la imagen lo que hace que la mayoría de mis obras sean un híbrido entre figuración y abstracción repletas de significados y ambigüedades.

Se puede ver en tus piezas un arduo trabajo de investigación que no sólo es conceptual o teórico, es también muy manual, del material, del cortar, rasgar, pintar, intervenir, pegar, etc. Algo que no ha sobrevivido completamente a la modernidad.

La experiencia táctil es primordial en mis obras sobre papel, como también en las esculturas de fieltro. El espectador reconoce intuitivamente el proceso de los cortes, pegamentos y pliegues, ya que todos tenemos una historia y una memoria con estos materiales. Hay artistas que desarrollan esculturas, pinturas y collages digitales en la computadora, pero para mí sigue siendo esencial trabajar y establecer un diálogo entre cada uno de los elementos físicos que componen la obra.

¿Por qué el comic ha estado presente desde el principio en tus obras?

El comic es hoy universal, y sus tramas, símbolos y personajes están grabados en nuestras mentes. Uno de los más importantes artistas de la animación fue Walt Disney, quien logró una fusión entre folklore y fantasía con un poder visual único. Lo que me atrajo inicialmente de Disney fue la precisa línea gráfica desarrollada por su equipo de dibujantes. Cada animal, castillo, princesa, árbol… estaban compuestos de muy pocos trazos y éstos podían ser cortados y doblados en diversas formas generando ‘’ready-mades’’, composiciones abstractas muy parecidas a las obras de Jean Arp y Max Ernst, entre otros. Este aspecto modernista y nuestra compleja dependencia generada por la cultura popular, fue el punto de partida para desarrollar el trabajo en esos primeros años.

¿Cómo puedes describir el avance de tus obras a través del tiempo? Podemos ver una parte que responde mucho a lo pictórico y otra que se despliega hacia la imagen gráfica, como es el caso de las individuales en Corbett vs. Dempsey y en Thomas Dane Gallery en el 2012, y de tu muestra en el Centro Galego de Arte Contemporánea en el 2005.

El survey en el Centro Galego fue la primera presentación museística en Europa. Se mostraron diversos aspectos de mi trabajo que incluían collages de pequeño y gran formato, fotografías, pinturas sobre pared, dibujos en grafito y acuarela, esculturas en fieltro y MDF. El enfoque dado fue sobre el impacto entre aspectos modernistas y la cultura de masas para crear un lenguaje pictórico y abstracto pero altamente contaminado y disonante de referencias.
Para las individuales en las galerías Corbett vs Dempsey en Chicago y Thomas Dane enLondres me concentré en esa misma investigación, pero llevé las obras sobre papel a una desintegración casi total de la imagen donde la abstracción total se impone más que en años anteriores.

En el video “Powerful Images” de art:21, hablas de lo que significa la inspiración y el trabajo constante
como forma de investigación, desplazando a la musa y convirtiendo al taller del artista en la materia necesaria para la unificación de imágenes, para jugar, experimentar y darle oportunidad al accidente.

Sí, como dices, el taller es un sitio de estudio, experimentación y juegos. Millares de eventos e inspiraciones nos rodean a diario y eso determina la investigación visual/conceptual y en mi caso necesito de un estudio para traer todas esas influencias y trabajar en ellas de la manera más precisa y constante.

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