"In Utero", el último disco de estudio de Nirvana, diseñado como un potente cambio de rumbo respecto al sonido de "Nevermind", cumple hoy 20 años desde su lanzamiento...Cobain fue encontrado muerto meses después, en abril de 1994, oficialmente por suicidio.

El último álbum de Nirvana cumple 20 años

"In Utero", el último disco de estudio de Nirvana, diseñado como un potente cambio de rumbo respecto al sonido de "Nevermind", cumple hoy 20 años desde su lanzamiento sin perder un ápice de vigencia gracias a composiciones eternas como "Heart-Shaped Box" y "All Apologies".

Meses después del lanzamiento Cobain se quitó la vida (Archivo)

EL UNIVERSAL

sábado 14 de septiembre de 2013  

Los Ángeles.- "In Utero", el último disco de estudio de Nirvana, diseñado como un potente cambio de rumbo respecto al sonido de "Nevermind", cumple hoy 20 años desde su lanzamiento sin perder un ápice de vigencia gracias a composiciones eternas como "Heart-Shaped Box" y "All Apologies".

Tras coronarse como uno de los grupos de referencia de comienzos de la década de 1990 gracias al célebre "Nevermind" (1991), Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl, convertidos en reyes del grunge, decidieron distanciarse de la pulcritud de aquel éxito y decantarse por unos derroteros más crudos con una vuelta a sus inicios punk.

Las adicciones de Cobain y su tormentoso matrimonio con Courtney Love acaparaban las portadas mundiales, así que los integrantes del grupo, disgustados con esos niveles de popularidad, miraron de nuevo a sus raíces, algo que agradecieron los fans originales de "Bleach" (1989) -su disco debut-, desconcertados tras la conversión de sus ídolos en "héroes de la MTV", reseño Efe.

La grabación del disco, que desde el 13 de septiembre de 1993 ha vendido más de 5 millones de copias en EEUU, se llevó a cabo durante dos semanas en los aislados estudios Pachyderm de Cannon Falls (Minnesota), con el productor Steve Albini al frente.

Las sesiones fueron productivas y las grabaciones se desarrollaron prácticamente sin problemas, si bien el drama llegó después, cuando la discográfica no se mostró conforme con el resultado y convenció a Cobain para que otro productor, Scott Litt, remezclara en Seattle "Heart-Shaped Box" y "All Apologies", los sencillos del álbum.

El disco, a pesar de la incertidumbre inicial, obtuvo el número uno en las listas de ventas del país y convenció a la crítica hasta el punto de que aparece en algunas listas de los mejores discos de la historia.

Ahora, para celebrar su 20 aniversario, sale a la venta el próximo día 24 una versión remasterizada del disco que incluye una remezcla, un DVD, una serie de grabaciones en directo, unas maquetas nunca antes publicadas así como fotografías y anotaciones hechas por los miembros de la banda.

"Grabar 'Nevermind' con (el productor) Butch Vig fue muy diferente a hacerlo con Steve", rememoró Grohl a la cadena de radio pública NPR.

"Con Butch hacíamos varias tomas e intentábamos conseguir que sonara como nos habíamos propuesto prestando mucha atención a los detalles, mientras que con Steve juro que hacíamos una sola toma, le daba al botón de parar y preguntaba: "Vale, ¿qué viene ahora?", agregó el batería del grupo y actual líder de Foo Fighters.

Novoselic admitió que el reto que afrontaba Nirvana era "demostrar su valía" frente a Albini, conocido por su forma meticulosa de trabajar.

"Empezamos con 'Serve the Servant's' y no paramos hasta el final, aunque la canción se nos fuera de las manos, como todas en ese disco. Terminamos, nos miramos todos y estuvimos de acuerdo en que aquello había sonado bastante bien. Steve nos miró y estaba de acuerdo, así que seguimos así", manifestó el bajista del grupo.

Ambos coincidieron en que la intención original era desconcertar a los fans, tanto a los "mainstream" como a los más apegados a su vena independiente, a lo que trató de contribuir Cobain incluyendo imágenes de fetos y partes del cuerpo humano en la parte posterior de la portada.

Para alejarse aún más del éxito que les había precedido, Cobain pensó en titular el álbum "I Hate Myself and Want to Die" ("Me odio y quiero morir"). Al final, se contentó con incluir una canción llamada "Rape Me" ("Viólame") y a una niña vestida como si formara parte del Ku Kux Klan para el tétrico videoclip del primer sencillo, "Heart-Shaped Box".

"In Utero" estaba compuesto por las canciones "Serve the Servants", "Scentless Apprentice", "Heart-Shaped Box", "Rape Me", "Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle", "Dumb", "Very Ape", "Milk It", "Pennyroyal Tea", "Radio Friendly Unit Shifter", "tourette's" y "All Apologies".

Cobain fue encontrado muerto meses después, en abril de 1994, oficialmente por suicidio. 

La historia de Gabriel Guerrero, el personaje central de la novela Liubliana(Ediciones B), ese cuarentón que a causa de un infarto decide desandar el camino que ha seguido su vida para retornar al lugar en el que ha sido verdaderamente feliz, sigue encumbrando la carrera literaria de Eduardo Sánchez Rugeles, escritor caraqueño nacido en 1977, que acaba de recibir el Premio de la Crítica a la Novela de 2012.

"Liubliana" gana Premio de la Crítica a la Novela de 2012

La obra de Eduardo Sánchez Rugeles también fue galardonada en 2011

El autor caraqueño muestra en su obra el fracaso de una generación GUSTAVO BANDRES

EL UNIVERSAL

sábado 14 de septiembre de 2013  

La historia de Gabriel Guerrero, el personaje central de la novela Liubliana(Ediciones B), ese cuarentón que a causa de un infarto decide desandar el camino que ha seguido su vida para retornar al lugar en el que ha sido verdaderamente feliz, sigue encumbrando la carrera literaria de Eduardo Sánchez Rugeles, escritor caraqueño nacido en 1977, que acaba de recibir el Premio de la Crítica a la Novela de 2012.

El galardón, que organiza por Ficción Breve Venezolana con el apoyo de la Sociedad de Amigos de la Cultura Urbana y la Librería Noctua, se suma al que ya recibiera el autor por su segunda novela Blue Label/Etiqueta Azul, en 2010: el Premio Iberoamericano de Novela Arturo Uslar Pietri.

Liubliana obtuvo hace dos años el Primer Lugar en la mención Novela del Certamen Internacional de Literatura Letras del Bicentenario Sor Juana Inés de la Cruz.

El jurado del Premio de la Crítica a la Novela de 2012 estuvo conformado por Luis Barrera Linares, Laura Febres y Valmore Muñoz Arteaga, quienes consideraron que Liubliana, "(...) es la novela que, a nuestro juicio, mejor representa las exigencias de la narrativa latinoamericana actual. A partir de un lenguaje y un estilo totalmente sintonizado con nuestra época, demuestra un manejo impecable para, sin truculencia, mostrar al lector el proceso de decadencia, fracaso y destino incierto de una generación".

Entre las obras finalistas quedaron: El requetemuerto (José Pulido), Las mujeres de Houdini (Sonia Chocrón), Los incurables (Federico Vegas) yMassaua (Arnoldo Rosas).

Un hombre al piano. Esa es la imagen habitual de Elton John en sus conciertos. Pero raramente sus discos fueron tan minimalistas. Ahora, a los 66 años y tras una operación de apendicitis, el excéntrico cantante británico se quiere concentrar en lo esencial.

Elton John apela a lo esencial en su nuevo disco

"The diving board" será publicado este lunes en el Reino Unido

En "The diving board" abundan las baladas melódicas, los solos de piano y los textos profundos AP

EL UNIVERSAL

sábado 14 de septiembre de 2013  

Londres.- Un hombre al piano. Esa es la imagen habitual de Elton John en sus conciertos. Pero raramente sus discos fueron tan minimalistas. Ahora, a los 66 años y tras una operación de apendicitis, el excéntrico cantante británico se quiere concentrar en lo esencial. Y eso se refleja en su nuevo trabajo de estudio, el trigésimo de su carrera. The diving board, en el que abundan las baladas melódicas, los solos de piano y los textos profundos, sale a la venta el lunes 16 de septiembre en Reino Unido. 

Con sonido de piano, bajo y batería, el nuevo álbum de John recuerda a sus comienzos. Pero a la vez, teniendo en cuenta su vida personal, es tan actual como nunca. "Sencillamente sólo hago música con la que me siento a gusto", explicó el cantante. 

Junto a clásicos fragmentos de piano, aparecen pinceladas de gospel, blues o country, e incluso alguna bocanada del salvaje oeste. Y los tres breves solos de piano titulados Dream (1, 2 y 3), casi recuerdan a una canción romántica. 

Sir Elton John ha trabajado logradamente en los textos junto a Bernie Taupin. Los 12 temas del disco hablan de la edad, los recuerdos y un pasado en el que se puede pensar pero no recuperar. Home again, por ejemplo, habla del deseo irrealizable de poder volver a una patria perdida. 

Pero también hay momentos algo más intensos. Entre las baladas con más ritmo de The diving board está Take this dirty water, que suena como una canción de gospel. 

The diving board se grabó en Los Ángeles en unos pocos días. El anterior trabajo de estudio de John, The captain & the kid, vio la luz hace siete años y quedó por detrás de las expectativas. Comercialmente fue un fracaso y en una entrevista con The daily telegraph, el músico confesó que pensó incluso en no volver a grabar un disco. "Sabía que si quería volver teníamos que hacer algo totalmente diferente", explicó. 

El relajado tono de The diving board refleja su momento vital actual, asegura el también pianista.

La apendicitis de la que fue operado en verano le hizo ver la muerte de cerca. Por eso, en el futuro quiere concentrarse aun más en su vida privada, junto a su compañero David Furnish y sus dos hijos: Zachary, de dos años, y Elijah, de apenas unos meses. 

Incluso piensa salir de gira menos que hasta ahora, anunció en declaraciones alThelegraph. "Estoy muy relajado. Tengo una familia, una pareja con la que estoy desde hace 20 años, una vida maravillosa, nada podría ser mejor", afirmó el artista. "He tardado algún tiempo en llegar hasta donde estoy. Pero ahora que tengo todo esto, lo agarraré y no lo echaré a perder".

El procaz, tantas veces cobarde, espera su momento: artero ataca desde el poder y su falta de escrúpulos.

Elogio de lo procaz...

...asistencia para 11 hospitales, y mira qué miserable... , con excepción del de Niños

RAFAEL MUCI-MENDOZA |  EL UNIVERSAL

domingo 15 de septiembre de 2013  

El procaz, tantas veces cobarde, espera su momento: artero ataca desde el poder y su falta de escrúpulos. Recibiste educación médica gratuita y mordiste la mano de quienes te dieron alimento: tus maestros y la medicina nacional. No una enseñanza dirigida por ideología particular, sólo un aprendizaje para la libertad. Te aliaste con enemigos de la autonomía y el libre albedrío para pensar en "micro"; así la microcefalia y las gríngolas indican. Ahora la fuga de médicos es culpa del capitalismo. ¡No mija... ! Es causa de tu morboso deseo y tu camarilla de hostigar, humillar, y someter a la medicina nostra, de hacerla parecida a la cubana, tan esclavista, opaca e ineficaz como chapucera.

Todo ese dineral dispuesto para ayudar dictaduras abiertas o enmascaradas, dejará asistencia para apenas 11 hospitales nacionales, y mira qué miserable... , con excepción del de Niños, quedarán excluidos en Caracas aquellos donde la UCV lleva a sus alumnos a aprender medicina verdadera. No esa engañifa que es la medicina "integral" comunitaria, golpe mortal a la ciencia, donde no se contempla la enseñanza a la vera del enfermo y su circunstancia y el error es su divisa. Volvemos pues al batido de tambores y el zurrir de sonajas... Disfruta entonces de la destrucción que tu odio procura, pues la construcción te queda grande al ser correlato del amor al semejante. ¿No te da pena, no te da vergüenza ver ese erial: sin cultivo y sin labranza, ese tedio de vida en que han devenido nuestros hospitales, aquellos, antaño orgullo del país? Deja de emitir mentiras ponzoñosas y dedícate con amor -si es que algo te queda- a programar, a enderezar entuertos... Aprende a valorar la dignidad del ser humano y su capacidad para determinar por sus decisiones su destino.

rafaelmuci@gmail.com

Quien conozca la historia cultural del siglo XX latinoamericano sabe el lugar que en ella ocupan Monte Ávila editores o el teatro Teresa Carreño. Repaso a lo que queda de ellos tras casi tres lustros de revolución

Lectura Tangente

14/09/2013 Notitarde

Un mundo perdido

María Gabriela Méndez/Revista Arcadia

Las instituciones culturales venezolanas

Quien conozca la historia cultural del siglo XX latinoamericano sabe el lugar que en ella ocupan Monte Ávila editores o el teatro Teresa Carreño. Repaso a lo que queda de ellos tras casi tres lustros de revolución

Desde abril de 2013, la antesala del Teatro Teresa Carreño en Caracas exhibe siete grandes paneles de fondo rojo con fotografías del fallecido ex presidente de Venezuela. En las imágenes el comandante aparece cargando niños de brazos y abrazando a mujeres ancianas; en la parte baja de los paneles un logotipo celebra el 30 aniversario del teatro: "La Fundación Teatro Teresa Carreño rinde homenaje a nuestro Comandante y Presidente Hugo Rafael Chávez Frías".

Con sus más de 80.000 metros cuadrados de construcción, el Teatro Teresa Carreño no es un escenario más de la ciudad: es uno de los complejos arquitectónicos más audaces y ambiciosos de la historia cultural del continente. Concebido a finales de la década de los sesenta por el violinista y presidente de la Orquesta Sinfónica de Venezuela, Pedro Antonio Ríos Reyna, el monumental teatro abrió por primera vez sus puertas en febrero de 1976, pero se terminó de construir en su totalidad siete años después.

La lista de intérpretes virtuosos que pasó por la sala Ríos Reyna (2.367 butacas) del Teresa Carreño en las décadas de los ochenta y noventa es impresionante: Tenores como Luciano Pavarotti o Plácido Domingo, la soprano Montserrat Caballé, el pianista Claudio Abbado y tantos otros confirmaban que Caracas era ya una escala en el circuito internacional de la música que, si acaso, incluía a Buenos Aires como única otra ciudad de América Latina con un escenario y un público de las calidades requeridas para presentaciones de este tipo. Bogotá, por ejemplo, habría de esperar treinta años más para tener un teatro que estuviese a la misma altura.

La mañana del domingo 21 de enero de 2001, el presidente Chávez lanzó la primera línea de su política cultural en Venezuela: a través de su programa radial Aló, Presidente, despidió en medio de insultos y agresiones, a varios de los directores de las instituciones culturales del país, entre ellos, a la mítica Sofía Ímber, conocida como la zarina de la cultura venezolana. Los acusó de haber secuestrado la cultura para una élite y de crear principados. Aquel gesto marcó el inicio de la llamada "revolución cultural bolivariana" y los efectos no tardarían en dejarse notar.

El Teresa Carreño se convirtió en uno de los escenarios preferidos de Chávez para sus actos políticos no masivos. En sus 900 metros cuadrados de tarima, Chávez entregó viviendas, juramentó a miembros de su comando de campaña, recibió a médicos cubanos, promulgó leyes, condecoró deportistas y celebró el "Día de la resistencia indígena". Muchos de los conciertos, óperas y ballets que antes llenaban la programación se suspendieron por mandato de Chávez, o pasaron a ser cada vez más esporádicos. La sala-museo que durante una década albergó las pertenencias de la ilustre pianista que da nombre el teatro también fue desmantelada para hacerle una salita de descanso al Presidente. Nadie sabe a dónde fueron a parar los vestidos y partituras de Teresa Carreño.

Lo resumió bien el dramaturgo Orlando Arocha cuando dijo: "Teníamos un teatro que era significativo en toda América Latina, todo eso desapareció porque comenzó a convertirse en espacio político del gobierno. Hemos visto cómo se suspenden funciones, ensayos, actividades culturales, por actos proselitistas, y nadie en la gerencia ha tenido la valentía de decir que no".

Icli Zitella, violinista y compositor venezolano que durante veinte años formó parte de la Orquesta Filarmónica, identifica dos causas del deterioro en las instituciones artísticas: el presupuesto, cada vez más exiguo y la pobreza estética: "El control estatal en Venezuela tiene una visión del arte al estilo fascista: solo folclore para aderezar concentraciones de masas. Las orquestas se ven obligadas a incrementar en su repertorio la música popular y a tocar en retretas. Yo no tengo nada en contra de la música popular, pero ella tiene espacios de sobra para su difusión; la música académica, en cambio, no. Por otra parte, se vincula con la visión comunista de que solo las masas, el pueblo, los pobres son los verdaderos protagonistas de la historia".

El deterioro del teatro se respira por todas partes. Edwin Erminy, arquitecto y escenógrafo, trabajó desde la fundación del teatro y llegó a la Gerencia de Producción, pero renunció en 2003, porque el teatro se había convertido en "la sala de audiencias del presidente Chávez". Según él, se desbarató un equipo profesional especializado y eficiente que había tardado veinte años en formarse: "Se rompió el espíritu y la mística de trabajo. Eso significa la muerte de una institución cultural. El teatro se quedó sin alma". Además, se desmontó la programación regular: sus temporadas de ópera, ballet, danza contemporánea, sus programas comunitarios y educacionales; y todo fue sustituido por eventos proselitistas. Por último, se marginó de manera injustificada a importantes artistas y su legado.

El año pasado, a la directora encargada del Teresa Carreño, Alice Dotta, le preguntaron si reconocía que había prevalecido lo político-partidista sobre lo artístico: "No lo creo. Tenemos cifras que demuestran lo contrario". Según ella, durante el chavismo la cantidad de actividades políticas no superó a las artísticas, pero remató con un curioso galimatías: "Creo que el problema era más bien que no había suficiente programación artística que hiciera el contrapeso". Hoy, basta entrar a la página web para ver la escueta programación: solo un espectáculo en agosto y ninguno en el resto del año.

La mosca en el Chagall

Un recorrido por alguna de las trece salas del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (antes llamado Sofía Ímber en honor a su fundadora) es suficiente para notar el deterioro: filtraciones, humedad en las paredes, obras que se dañan en las narices de los pocos espectadores; exposiciones poco atractivas que son relecturas de la misma colección y que se mantienen expuestas hasta seis meses.

En 1974 abrió sus puertas el Museo de Arte Contemporáneo que Sofía Ímber fundó y dirigió hasta que el presidente Chávez la despidió en 2001. Mientras ella estuvo al frente se hicieron en promedio veinticinco exposiciones por año. Desde entonces, han pasado por la dirección seis personas; desde 2005 el museo perdió su autonomía y quedó bajo la dirección de la fundación de Museos Nacionales. Todo está centralizado: el presupuesto, las exposiciones y la colección.

Recientemente un periódico local denunció que entre el pavoroso inventario de descuido se contaba una mosca muerta dentro del cristal de una obra de Marc Chagall. El museo donde destacaron exposiciones inolvidables de Lynn Chadwick, Niki Saint Phalle, Henry Moore, Paul Klee, Fernand Léger, Francis Bacon, Baltasar Lobo y Red Grooms, hoy exhibe un saldo rojo.

El Macsi llegó a ser uno de los Museos más respetados de América Latina, con una colección de 4.600 obras. El curador Miguel Miguel García recuerda que en materia museística, Venezuela era la envidia de los países de la región: "Me consta que artistas, curadores, críticos de arte, investigadores, galeristas, directores de museos e importantes coleccionistas extranjeros se asombraban cuando venían a Caracas y presenciaban las exposiciones, la manera en que estaban instaladas, los catálogos que las acompañaban, ni decir de las colecciones permanentes que siempre permanecían expuestas".

Lo mismo opina la artista plástica Nela Ochoa quien recuerda con nostalgia el Macsi que ella frecuentaba, un museo siempre a la vanguardia. Allí se realizaba la Bienal Barro de América, que recibía artistas nacionales internacionales; y el Salón Pirelli, dedicado a promover el arte joven. Ochoa lamenta que la adquisición de obras de artistas venezolanos dejara de ser parte de la actividad museística y las exposiciones ahora languidezcan en los salones vacíos: "Otra de las absurdas decisiones fue eliminar las exposiciones individuales, so pretexto de desalentar el individualismo. Sin embargo, artistas apoyados por el régimen, nacionales o extranjeros, sí tuvieron sus individuales".

La curadora e historiadora del arte Susana Benko rescata el esfuerzo de los meses recientes por hacer exposiciones dignas, pero no esconde su asombro ante la falta de criterio: al lado de una exposición titulada "Diálogos contemporáneos", que a su juicio está muy bien, hay otra de la artista Maryolga Nieto, "Origen y luz", que no se detuvo a ver por su escasísimo valor artístico. Entre las 30 piezas que conforman la muestra de Nieto, hay un retrato de Chávez que abarca toda la pared de un cuarto oscuro reservado solo para esta obra.

Monte Ávila:

habitar un cementerio

La primera traducción al castellano de Yukio Mishima; las primeras obras de Tomás Eloy Martínez y Gonzalo Rojas; la poesía vertical de Roberto Juarroz, y la proyección de Juan Carlos Onetti: todo esto tuvo lugar en Monte Ávila, la editorial que nació en 1968, creció en la década del 70, y se caracterizó por un gusto intelectual impecable y un espíritu progresista.

Los últimos años han sido la negación de la audaz visión de entonces. Según el escritor Antonio López Ortega las colecciones han perdido perfil; se han incrementado las colecciones de pensamiento político; se han dejado de publicar autores que expresan posiciones públicas contrarias al Gobierno. Pero sobre todo, la editorial evita cualquier autor o libro que tenga posiciones críticas y rechaza manuscritos o reediciones que valoren el periodo democrático 1958-1998.

López Ortega saca a relucir un ejemplo de sectarismo denunciado por el historiador Germán Carrera Damas, autor del importante libro El culto a Bolívar, quien presentó ante los medios una carta donde el director de Monte Ávila le anunciaba que no publicarían más sus libros.

La escritora y profesora de la Universidad Central de Venezuela, Gisela Kozak, no cree que ha habido exclusión de autores de oposición, sino que más bien ha habido auto exclusión porque "lamentablemente el Gobierno venezolano todo lo asume en términos de propaganda. Si te publican en Monte Ávila Editores entonces estás reconociendo que este es un Gobierno democrático, abierto e inclusivo al que le tienes que agradecer la publicación de tu libro".

Otro cambio dramático desde 1999 ha sido para López Ortega la desaparición de Monte Ávila de las librerías comerciales del país: "Sus libros circulan por canales gubernamentales, reduciendo su oferta de manera significativa". Ni hablar de la distribución en el exterior, que es inexistente. Y sentencia: "Publicar hoy en día en Monte Ávila es como habitar en un cementerio".

En una entrevista de fines del año pasado, Carlos Noguera, presidente de Monte Ávila, reconoció las flaquezas de su gestión, que inició en 2003: la distribución dentro y fuera de Venezuela; y, otro problema que es consecuencia de este: "Todavía padecemos de insularidad en Latinoamérica; a pesar de que hay convenios que responden al ideal bolivariano de la integración de las repúblicas, seguimos siendo desde el punto de vista del libro un archipiélago de islas".

Kozak no se explica cómo con tanto dinero que ha tenido este Gobierno y con tantas relaciones en Latinoamérica no se haya logrado establecer una línea sólida de distribución de libros. "Monte Ávila dejó de ser una editorial continental; perdió todo renombre. Pasó a ser una sombra de lo que era", añade López-Ortega mientras recuerda una época en la que tenía oficinas en Buenos Aires, Bogotá y México: "Hoy en día ni siquiera asegura su presencia en ferias como las de Guadalajara, Bogotá o Buenos Aires. Deben creer que estar allí es como comulgar con el demonio del capitalismo".

También cerró sus puertas el martes 15 de mayo de 2007 la librería Monte Ávila en el Teresa Carreño. Casi en simultánea, abría las suyas una oficina de Psuv (Partido Socialista Unido de Venezuela) allí mismo.

El ocaso de Monte Ávila está el giro de su línea editorial. Incorporó a su catálogo nuevas colecciones: Mileniolibre, que en palabras de Kozak, publica "lo más granado de la izquierda radical internacional. Entre los que están libros de Marta Harneker y James Petras, apologías de la revolución bolivariana que los venezolanos pagamos con nuestros recursos". Y otras dos colecciones cuyos títulos hablan solos: la Biblioteca del pensamiento revolucionario y Bitácora rebelde.

Sin embargo, Kozak rescata algo de la gestión de Noguera: haber retomado una iniciativa de los años cuarenta con la Biblioteca Básica de Autores Venezolanos (ediciones masivas de la literatura nacional); la puesta en línea de algunos títulos, aunque no en formato de libro electrónico sino en PDF; y haberle dado continuidad a una colección de autores inéditos.

Pero Kozak resiente de que la editorial no tenga una política de derechos de autor. Su obra Pecados de la capital y otras historias, se vende desde 2005 en 15 bolívares (poco más de dos dólares) en un país con una inflación anual que supera el 20 por ciento.

Para López-Ortega Monte Ávila se convirtió en un apéndice de decisiones políticas bajo las cuales se ocultan la censura, la autocensura, la descalificación, el ocultamiento y la división entre autores: los que califican y los que no: "Con la distancia que da el paso del tiempo será triste reconocer que estos 14 años han sido la destrucción de uno de los sellos más legendarios del continente".

Catorce años después del inicio de la revolución bolivariana, las tres instituciones más emblemáticas de la cultura venezolana exhiben sus heridas abiertas.

En el año 2012 se cumplieron 50 años de la publicación del libro La naranja mecánica, en el que se inspiró Stanley Kubrick para su película del mismo nombre cuyos efectos se lograron en gran parte a la música que contribuyó a ese efecto. Piezas como La gazza ladra, de Rossini, y la obertura de la ópera Guillermo Tell crean en el espectador la sensación de estar presenciando una coreografía.

La crítica especializada considera que La Naranja Mecánica es una de las pocas películas que han marcado época  pues,  luego de 40 años de su estreno, continúa suscitando polémica por la agresión que impregna algunas de sus secuencias que provocaron que miles de adolescentes en el mundo imitaran la violencia de Alex el protagonista, quien expía sus pecados y padece, en su propia carne y de manos de sus víctimas, los castigos que les ha infligido y reafirme su inclinación a causar daños.

La música contribuyó a ese efecto. Piezas como La  gazza ladra, de Rossini,  y la obertura de la ópera Guillermo Tell crean en el espectador la sensación de estar presenciando una coreografía. Al comienzo la cámara hace una lenta panorámica de arriba hacia abajo, mostrando un teatro abandonado como clara alusión al tragicómico  espectáculo que será presenciado enseguida. 

Para entender mejor la trama de La Naranja Mecánica, inspirada en la novela homónima de Anthony Burgess,  hay que tomar en cuenta, como explica Oscar Bueno, que Alex el principal protagonista es un melómano que tiene devoción por Beethoven, lo que contrasta con su violencia. "Esta paradoja es tanto más palmaria por cuanto que a la Novena Sinfonía de Beethoven se le conoce como el Himno a la Alegría, asociándosele unos valores de paz y armonía, justo la antítesis de lo que anhela el perturbado protagonista”. Oscar Bueno (www El Parnasillo.com). La crítica le asignó a esta película una puntuación de 9.2 de 10. 

20 cosas que deberías saber sobre 'La naranja mecánica'

Que se cumpla medio siglo de la publicación del libro La naranja mecánica, en el que se inspiróStanley Kubrick para su película, es una buena excusa para recordar 20 curiosidades del filme que quizá no sepas. Ahí van...

• 30 de junio de 2012
 
• Alberto E. Parra / hoyCinema

Malcom MacDowell es Alex DeLarge en 'La naranja mecánica'.

Este año 2012 se cumple medio siglo de la publicación de una novela que acabó marcando la historia del cine para siempre. En 1962, el crítico, compositor, libretista, poeta, dramaturgo, guionista, ensayista, cronista de viajes, presentador, traductor, lingüista, pedagogo y, sobre todo, novelista británico Anthony Burguess publicó su obra más famosa, A clockwork orange, (La naranja mecánica).

La obra, a la que se considera heredera de novelas como 1984 de George Orwell y Un mundo feliz, de Aldous Huxley, tuvo una vida más o menos tranquila hasta que en 1971, el director Stanley Kubrick decidió llevarla al cine.

El libro llegó a las manos de Kubrick a  través del guionista Terry Southern, autor de ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú. Stanley Kubrick se leyó de un tirón y decidió llevarlo adelante, para lo que pensó en el actorr Malcom McDowell para interpretar a Alex DeLarge, el protagonista.

El filme narra las fechorías de DeLarge (McDowell), un carismático psicópata apasionado deBeethoven, la ultraviolencia y el sexoy su pandilla, Los Drugos. Cuando el protagonista, traicionado por sus amigos, es detenido y condenado a 14 años por asesinato, entra en prisión. Allí decide libremente someterse al proceso Ludovico, un tratamiento mediante el cual los actos violentos se asocian con náuseas y malestar físico.

Con una fuerza visual y musical impactantes, la cinta muestra innumerables innovaciones técnicas y narrativas. Secuencias aceleradas y a cámara lenta, escenas con cámara en mano, equipos de iluminación que permiten girar la cámara en cualquier dirección, micrófonos que recogen todos los diálogos... Una joya que se ha convertido en una de las películas más influyentes del siglo XX, pero de la que hay muchos aspectos que quizá no conozcas. En este reportaje hemos recopilado 20 cosas que deberías saber sobre La naranja mecánica.

01. ¿Persona o naranja?

El título orginal, A clockwork orange, se menciona dos veces en la novela, pero ninguna durante la película. El autor del libro, Anthony Burgess, confesó que se derivaba de una antigua expresión cockney (el argot del sur de Londres), «as queer as a clockwork orange», que significa «tan raro como una naranja mecánica». También hay quien lo interpreta como El hombre mecánico porque se cree que orange (traducida aquí como naranja) en realidad viene del término ourang, un vocablo de Malasia, donde Burgess vivió varios años, que significa persona.

02. Inspirada en la vida real

En 1944, y tras volver a Londres después de su estancia en Malasia, la mujer de Burgess, que estaba embarazada, fue violada por cuatro soldados americanos durante un apagón. Debido a la paliza, perdió al bebé y ese terrible suceso inspiró al autor para su novela.

03. Naranja millonaria

El filme costó dos millones de dólares y recaudó más de 40. De estos beneficios, el 40 por ciento fueron para Kubrick y se aseguró el control total sobre sus películas gracias a un acuerdo con Warner.

04. Calificada X

En EE.UU. se estrenó en 1971 y fue calificada como película X. Posteriormente, Kubrick cortó 30 segundos y se reestrenó en 1973, con calificación R. Es una de las dos únicas películas calificadas como X en su estreno original nominada al Oscar a mejor película. La otra fue Cowboy de medianoche. A Inglaterra llegó en 1972 con una polémica sin precedentes por su contenido, demasiado violento, y su repercusión en los espectadores. Algunos delincuentes cometieron delitos, incluso algún asesinato, recreando escenas, cantando Singing in the rain y vistiendo indumentaria parecida a la de los protagonistas. Kubrick presionó a Warner Bros para que, un año después, cancelara su exhibición en todo el Reino Unido. Según su viuda, Christine, lo hizo, entre otras cosas, por miedo, ya que recibieron varias amenazas de muerte. Kubrick había dicho que sólo se reestrenaría tras su fallecimiento (en 1999), y así fue. En Inglaterra se volvió a ver en el año 2000. La película fue lanzada en vídeo y DVD por primera vez ese mismo año.

05. Sin derecho a reinserción

La novela de Burgess fue editada en EE.UU. sin el último capítulo, en el que Alex, reformado, se lamenta de su vida anterior. Kubrick adaptó el guión directamente de esa edición y sólo después supo que existía un final diferente, pero jamás consideró incluirlo.

06. Improvisando bajo la lluvia

El tema Singing in the rain, que Alex canta y baila durante la paliza al escritor y la violación a su mujer, no estaba en el guión. Kubrick le pidió a McDowell que improvisara y el actor cantó esta canción porque era la única que se sabía. Al director le gustó tanto que compró los derechos por 10.000 dólares.

07. Yogur-plus

La leche que bebían Los Drugos (la pandilla de Alex) en el Korova Milkbar tenía que cambiarse cada hora porque se cuajaba debido al calor de los focos.

08. Música para la enajenación

Firmada por Walter Carlos (conocida ahora como Wendy Carlos, tras su cambio de sexo), es una magistral mezcla de piezas originales de música clásica y el sintetizador moog, que se adapta como un guante a las imágenes. Entre las melodías destacan la Marcha fúnebre de Henry Purcell en la primera escena; la obertura de Guillermo Tell de Rossini, acelerada electrónicamente en la escena de la orgía de Alex con dos chicas (imágenes igualmente aceleradas y que, en su montaje normal, duraban 28 minutos); o la Novena sinfonía (scherzo) de Ludwig van Beethoven en la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo.

09. Sin el sello atómico

Se dice que Kubrick pidió a Pink Floyd utilizar la música del disco Atom heart mother suite pero, como el director quería un permiso ilimitado del tema, no llegaron a un acuerdo.

10. Beethoven, directo al top 1

La Novena sinfonía de Ludwig van Beethoven suena en varias escenas. La escuchamos cuando Alex ve la película de Hitler, cuando el escritor intenta hacer que se suicide escuchando la canción a todo volumen o cuando fantasea con una escena sexual en la nieve. No es extraño que la película revitalizara las ventas de la sinfonía coral.

11. Con la miel en los labios

La naranja mecánica estuvo nominada a siete premios BAFTA de la academia británica (incluido mejor película), tres Globos de Oro y cuatro Oscar (guión adaptado, director, montaje y mejor película), pero no ganó ninguno de ellos. El Oscar aquel año fue para The french connection. Lo que sí consiguió fueron otros premios menos prestigiosos como el galardón Writer Guild of America a la mejor adaptación.

12. Este director es una víbora

Kubrick hizo que el personaje de Alex tuviera una serpiente al enterarse de que a Malcom McDowell le daban pánico los reptiles.

13. El peso de la fama

El culturista David Prowse, que luego interpretaría a Darth Vader en La guerra de las galaxias, de 1977, tuvo que repetir 30 veces la escena en la que lleva en brazos al escritor en su silla de ruedas. Dicen que acabó agotado.

14. Pánico escénico

Durante la escena en la que humillan a Alex en el escenario, McDowell se fracturó varias costillas.

15. Con el agua al cuello

En la escena en la que sus antiguos amigos, ahora policías, sostienen a Alex bajo el agua en una especie de abrevadero durante un minuto, McDowell casi se ahoga, ya que falló el aparato de respiración.

16. ¡Otra toma más y presento la dimisión!

La escena de la violación que comete la pandilla rival de BillyBoy al principio, tuvo tantas tomas y fue tan dura para la actriz contratada que abandonó el rodaje. Tuvieron que buscar a otra chica.

17. Horas extra

Kubrick se ganó con creces su fama de perfeccionista. «Planeo las escenas todas las veces posibles, todas las horas del día, todos los días de la semana, y hago tantas tomas como sean necesarias», diría el director. La escena final en la que Alex recibe a los periodistas en la habitación del hospital se repitió 74 veces.

18. Diabólica inspiración

El actor Heath Ledger se inspiró en el personaje de Alex para su interpretación del Joker en El caballero oscuro (2008), que le reportó un Oscar póstumo.

19. Ojito con lo que ves

Durante la escena en la que Alex es sometido a ver películas ultraviolentas (una paliza, la violación de varios chicos a una chica e imágenes de Hitler) con los ojos abiertos con ganchos, se le rayó una córnea y estuvo un tiempo sin ver. El médico que aparece echándole gotas era un doctor real que prevenía la sequedad de sus ojos. Se dice que, desde entonces, McDowell no pudo volver a utilizar solución salina.

20. La fiebre naranja

En un capítulo de Los Simpsons, Bart aparece vestido como Alex: de blanco, con sombrero negro y un ojo con pestaña postiza. En este caso, Bart no tenía que contener su deseo sexual, sino el de comer pastelitos.

Anita Beloubek-Hammer, comisaria de la exposición, explicó hoy que Picasso estuvo muy influenciado por la imaginería de la tauromaquia como español exiliado en Francia y por haber acompañado de niño a su padre con frecuencia a las corridas de toros.

Una muestra expone en Berlín la pasión de Picasso por las mujeres y los toros

Una de las más importantes que sustrajo se llama "Cabeza de Arlequín", de Pablo Picasso, y fue pintada en 1971 l Foto: AP

La muestra, que saca a la luz 140 obras de los fondos de este museo y otras 40 de otras colecciones públicas y privadas, trata de ofrecer una visión compacta de la obra de Picasso a través de los temas fundamentales del toro y las mujeres, a los que el artista recurrió en múltiples ocasiones a lo largo de su vida

EFE12 DE SEPTIEMBRE 2013 - El nacional

Bajo el título de "Picasso: mujeres, toros y antiguos maestros" se exponen desde mañana y hasta el próximo 12 de enero 180 grabados, litografías, dibujos y cerámicas del artista malagueño Pablo Ruiz Picasso en el Kupferstichkabinett de Berlín.

La muestra, que saca a la luz 140 obras de los fondos de este museo y otras 40 de otras colecciones públicas y privadas, trata de ofrecer una visión compacta de la obra de Picasso a través de los temas fundamentales del toro y las mujeres, a los que el artista recurrió en múltiples ocasiones a lo largo de su vida.

Las obras de esta exposición, un recorrido por "la fuerza creativa del hombre" según la organización, abarcan siete décadas de trabajo de Picasso, desde una en pastel de 1900 hasta un ciclo erótico de los años 60.

Anita Beloubek-Hammer, comisaria de la exposición, explicó hoy que Picasso estuvo muy influenciado por la imaginería de la tauromaquia como español exiliado en Francia y por haber acompañado de niño a su padre con frecuencia a las corridas de toros.

"Para mí, el toro es el animal más orgulloso que existe", dijo en una ocasión el maestro cubista, como queda recogido en una de las paredes de la muestra.

De hecho, el propio Picasso veía en el minotauro, mitad hombre, mitad toro, a su alter ego, argumentó Beloubek-Hammer.

Según la investigadora, el ritual de la corrida representaba para el genio malagueño un símbolo de la lucha entre sexos, entre el hombre encarnado en la figura del torero y la mujer, ejemplificada por el toro.

Las mujeres fueron el otro tema fundamental del artista, para quien eran como encarnaciones de las diferentes actitudes ante la vida.

Esto fue reflejado en el modo en que Picasso representó a su compañeras, desde el retrato flácido y redondeado de Marie Thérese Walter, al más expresivo y serio de la intelectual Dora Maar.

El compromiso político del pintor español también tiene un lugar en la exposición, donde se muestra su serie de grabados en aguafuerte titulado "sueño y mentira de Franco" realizados en 1937 durante la Guerra Civil, por el autor del "Guernica".