A Cora Páez de Topel Capriles

A Cora Páez de Topel Capriles
A Cora Páez de Topel Capriles, gran amiga de Aziz Muci-Mendoza, él le recordaba al compositor de mediana edad Gustav von Aschenbach, protagonista de la película franco-italiana "Muerte en Venecia" (título original: Morte a Venezia) realizada en 1971 y dirigida por Luchino Visconti. Adaptación de la novela corta del mismo nombre del escritor alemán Thomas Mann.Se trata de una disquisición estético-filosófica sobre la pérdida de la juventud y la vida, encarnadas en el personaje de Tadzio, y el final de una era representada en la figura del protagonista.

sábado, 15 de junio de 2013

Con Aziz conocí el Museo Arturo Michelena en La Pastora caraqueña y disfruté sentada ante el cuadro "Miranda en La Carraca" minutos de gran placer visual, igual que admirando y aprendiendo a valorar los trazos de los pintores expuestos en la Galería de Arte Nacional... Gracias a Dios por darme ese momento tan especial...

Arturo Michelena es aún el pintor más reconocido por los venezolanos

Museo Arturo Michelena / Manuel Sardá/El Nacional
Museo Arturo Michelena / Manuel Sardá/El Nacional
El artista valenciano se destacó por la calidad de sus escenas heroicas y su talento como retratista
Hoy se conmemora el 150° natalicio del artista nacido el 16 de junio de 1896. El museo no anunció ninguna programación alusiva.
La obra de Michelena ha sido valorada como pionera en la historia del arte del país. Data del siglo XIX y es de corte academicista y heroico. “Él y sus contemporáneos son los que inician la pintura como carrera en Venezuela. Anteriormente, en el país se hacía un arte costumbrista, muy naive o colonial. Evidentemente que la importancia de Michelena hoy radica en que fue un gran pintor, muy talentoso y con una gran sensibilidad”, indica la curadora Bélgica Rodríguez.
La especialista asegura que uno de los mayores méritos de Michelena fue el hecho de haber sido reconocido como pintor en el exterior, específicamente en París, meca del arte mundial. A esa ciudad llegó en 1885, a los 22 años de edad, con una beca concedida por el entonces presidente Antonio Guzmán Blanco. Allí cursó estudios en la Academia Julian. Dos años después de su llegada a la Ciudad Luz obtuvo la Medalla de Oro en Segunda Clase en el Salón Oficial Francés con el lienzo El niño enfermo, subastado en 2004 por Sotheby’s en 266.500 dólares, un récord para un artista venezolano.
El otro gran reconocimiento llegó en 1889, con la pieza Carlota Corday camino al cadalso, que le valió la Medalla de Oro en Primera Clase de la Exposición Universal de París. “Como artista, Michelena respondió a su época y a una pintura universal. Manejó los códigos academicistas y formalistas dados por la escuela de París. Algo que hay que valorar es la importancia que le daba al dibujo en su obra, así como su dominio de los grandes formatos y el hecho de que pintaba con un estilo muy propio, sin ajustarse a ninguna corriente, a pesar de que trabaja en plena época del impresionismo francés”, continúa Rodríguez.
Lo heroico y lo mítico, las escenas de batallas y de combates taurinos, así como los retratos de damas y niños fueron sus temas fundamentales.  El museo que lleva su nombre (la casa de La Pastora en la que vivió junto con su esposa, Lastenia Tello de Michelena) atesora óleos como La vara rotaBoceto para el Gran Premio Miranda Hipódromo de Sabana GrandeAutorretrato con gorguera y Carlota Corday camino al cadalso. En la Galería de Arte Nacional estánMiranda en La CarracaLa joven madreLeda y el cisne y La caridad. Aunque murió a los 35 años de edad, víctima de la tuberculosis, dejó una vasta obra que, a juicio de la educadora Nancy Farfán, no ha sido lo suficientemente divulgada. “Michelena es visto tanto por docentes y alumnos como el gran pintor venezolano. Es el artista más reconocible, el que está fijado en la conciencia colectiva del estudiantado. Todos lo nombran y gusta porque no está encasillado en ninguna corriente. Es un orgullo para los estudiantes de bachillerato saber que él pintó Miranda en La Carraca. Su otra obra más reconocible, sobre todo por quienes cursan cuarto año, es El niño enfermo. Sin embargo, él hizo muchos más cuadros que no conoce casi nadie, como La última cena, que quedó inconcluso. Creo que su obra debe ser retomada, hay que mostrarla más e ir más allá de los lienzos más famosos”.
De acuerdo con el libro Arturo Michelena, publicado en la Colección Arte Venezolano, el valenciano mostró un talento excepcional para el dibujo desde la niñez. A temprana edad había hecho un autorretrato, paisajes y escenas religiosas y costumbristas. El autor Néstor Balza destaca sus habilidades para la composición y su dedicado trazo. “Para esta época hace retratos de enfermos mentales y personajes de su ciudad natal, con la técnica del temple”. De adolescente, realizaba trabajos por encargo. Junto con su padre creó una Escuela de Dibujo y Pintura en Valencia. Le gustaban los temas históricos y en 1883, a la edad de 20 años, presentó su primera pieza ante Guzmán Blanco, una obra titulada Alegoría de la república, con la cual aspiraba a obtener una pensión de estudios. Ese primer intento fue en vano, pero dos años después llegó a París junto con Martín Tovar y Tovar.
A los 26 años de edad regresó a Caracas, se casó con Lastenia y montó su taller en La Pastora. Además de sus lienzos, Michelena desarrolló una importante obra mural para el Palacio de Miraflores en 1897, un año después de que le encomendaran la célebre Miranda en La Carraca, que según el historiador Roldán Esteva-Grillet es la imagen del arte venezolano más reproducida en libros y revistas. El creador falleció el 19 de julio de 1898. En 1948, sus restos fueron trasladados al Panteón Nacional.
La cifra
266.500 dólares pagó un coleccionista en 2004 por el lienzo El niño enfermo en una subasta realizada por Sotheby’s. Fue un precio récord

"Solamente en nuestros tiempos uno se puede dar el lujo de presentar en el escenario obras contemporáneas y distanciadas casi 100 años una de la otra", sentenció el maestro Rubén Capriles. "Este concierto está lleno de profunda espiritualidad", expuso el solista, quien explica que la tonalidad con la que trabajó el compositor alemán, le imprime dramatismo y tragedia a una obra que también "logra una orquestación y balance instrumental perfecto"

El cello de William Molina sonará junto a la Orquesta Teresa Carreño

El solista interpretará el "Concierto para violonchelo" de Robert Schumann bajo la dirección de Rubén Capriles.

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William Molina, maestro de los violonchelistas venezolanos (Cortesía FundaMusical Bolívar)
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EL UNIVERSAL
sábado 15 de junio de 2013  
"Solamente en nuestros tiempos uno se puede dar el lujo de presentar en el escenario obras contemporáneas y distanciadas casi 100 años una de la otra", sentenció el maestro Rubén Capriles en una frase que esboza la versatilidad musical que podrá disfrutarse este domingo 16 de junio en la sala Simón Bolívar del Centro de Acción Social por la Música, en Quebrada Honda.

Con la "Obertura Candide" de Leonard Bernstein -obra llena de color, alegría y sátira- la Sinfónica Juvenil Teresa Carreño servirá la mesa para luego acompañar a uno de los violonchelistas de más trayectoria dentro del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, William Molina, quien hará vibrar las notas intensas y profundas del "Concierto para Violonchelo y Orquesta en La Menor, op.129" de Robert Schumann.

"Este concierto está lleno de profunda espiritualidad", expuso el solista, quien explica que la tonalidad con la que trabajó el compositor alemán, le imprime dramatismo y tragedia a una obra que también "logra una orquestación y balance instrumental perfecto", asegura quien ha realizado carrera orquestal, pedagógica y solista, desenvolviéndose como principal de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela y director de la Academia Latinoamericana de Violonchelo.

Esta propuesta sinfónica -que tendrá lugar a las 11:00 a.m.- cerrará con la versión original (1911) de "Petrushka, escenas burlescas en cuatro cuadros del ruso" Igor Stravinsky, obra que para Capriles es profundamente inspiradora, gracias a su ambicioso manejo de timbre e integración de los actos, características que asegura, construyen un discurso único.

"Es perfecta como cierre de lo que vamos a tener este domingo", dice Capriles quien es director musical de la Baltimore Philarmonia Orchestra (Estados Unidos).

Además de este versátil repertorio, el que Capriles y Molina compartan escenario es un hecho trascendente para ambos, ya que gracias a su prolijo y experimentado transitar, siembran el legado Tocar y Luchar en diferentes latitudes y son algunos los años que tenían sin trabajar juntos.

¿Habría dado Aziz este paso de oir música del apreciado disco de acetato a la música registrada en la WEB????

La música inunda la web

Cualquier género, artista o hit es posible escucharlo con tan solo un click

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Hasta los álbumes completos de algunos artistas pueden ser escuchados en la web sin costo alguno ARCHIVO
Contenido relacionado
CAROLINA CONTRERAS A. |  EL UNIVERSAL
domingo 9 de junio de 2013  12:00 AM
Comprar el álbum, el sencillo o pasarse horas en la radio tratando de encontrar la canción de un artista en particular para poder escucharla una vez, es cosa del pasado gracias a Internet y a las páginas web en las que se puede oír cualquier tipo de música sin descargarlas al computador.

Estas páginas, además de funcionar como una especie de radio online (aunque sin publicidad ni programas), también se pueden crear listas de reproducción, grupos, interactuar con otros usuarios y descubrir artistas emergentes y nuevas canciones, además de ofrecer recomendaciones dependiendo del gusto que haya demostrado el usuario.

Grooveshark

Esta página fue creada por tres estudiantes de la Universidad de Florida, entre ellos un colombiano.

En ella se pueden escuchar canciones sin necesidad de suscribirse en el portal. Tienen varias categorías: desde nuevos lanzamientos, música por décadas, bandas sonoras de películas, rock, pop, artistas independientes y electrónica.

Ver videos también es otra de las opciones que ofrece esta página, y dependiendo de las canciones que se hayan escuchado, comienza a recomendar otras bandas o artistas. 

Actualmente, sus listas de reproducción cuentan con lo más reciente de Daft Punk, Bruno Mars, Demi Lovato y Taylor Swift.

Por suscripción Grooveshark permite descargar canciones, pero si solo se quiere escuchar se puede hacer sin pagar nada.

Deezer

Desde Francia llega esta página que dispone de más de 25 millones de títulos. Ofrece una versión paga y una gratis. La gratis permite usar la página por seis meses y presenta publicidad, mientras que las dos versiones de pago: una que cuesta 4,99 dólares mensual, con tiempo ilimitado de escucha, y la otra que cuesta 9,99 dólares y permite descargar una aplicación en el smartphone y escucha la música con conexión o sin conexión. Las dos pagas no tienen publicidad.

Enladisco.com

Para quienes gusten de ritmos más tropicales y caribeños está la página www.enladisco.com. En ella hay una selección de canciones de bachata, reguetón, merengue, rancheras y hasta infantiles.

Posee playlist de los cantantes y grupos del momento como Justin Bieber, David Guetta y Bruno Mars. También cuenta con un surtido grupo de artistas latinos como Thalia, Ricardo Montaner, Ricardo Arjona, Camilla y Romeo Santos, entre otros.

Esta página permite que los usuarios puedan comentar la canción que están escuchando. El uso de la página es gratis y no necesita registrarse.

YouTube Disco

Así como es la más grande página web para poder disfrutar videos, YouTube también tiene su servicio de música online.

Su interfaz es muy limpia y al entrar ofrece los artistas que más se escuchan en este momento por lo que One Direction, Daft Punk y Rihanna son las primeras opciones que ofrece para escuchar.

Permite crear listas de favoritos por artistas, álbum o canciones y, por supuesto, permite ver sus videos.

Un equipo de investigadores ha utilizado un avanzado equipo de rayos X para recuperar el aria final original de la ópera "Medea", que su autor, el italiano Luigi Cherubini, tachó en 1797, informó la cadena británica BBC.

Recuperan el aria final de la ópera "Medea" gracias a los rayos X

Cherubini escribió la partitura con una tinta que contiene trazas de hierro, si bien utilizó una sustancia distinta para emborronar más tarde la última página del manuscrito.

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Cherubini había tachado la ópera porque la crítica la consideró muy larga
EL UNIVERSAL
viernes 14 de junio de 2013  
Londres.- Un equipo de investigadores ha utilizado un avanzado equipo de rayos X para recuperar el aria final original de la ópera "Medea", que su autor, el italiano Luigi Cherubini, tachó en 1797, informó la cadena británica BBC.

Científicos de las universidades de Manchester (Reino Unido) y Stanford (Estados Unidos) han rescatado el fragmento musical 216 años después de que el italiano lo eliminara ante las críticas de que su obra era demasiado larga, según los expertos.

Cherubini escribió la partitura con una tinta que contiene trazas de hierro, si bien utilizó una sustancia distinta para emborronar más tarde la última página del manuscrito.

El geoquímico de la Universidad de Manchester Roy Wogelius, que habitualmente utiliza avanzados equipos de rayos X para examinar fósiles de cientos de millones de años de antigüedad, celebró que su equipo haya podido "revelar los secretos" de la partitura de Cherubini.

"Es lo mismo que hacemos con los fósiles. Hemos resucitado los trazos de la pluma" del compositor: "Lo puedes ver todo de forma brillante. El texto, las anotaciones para los diferentes instrumentos y la letra, están allí escritos", describió el investigador.

Wogelius sostuvo que la sustancia negra que utilizo el músico para tapar el aria final "podría ser la misma que utilizaba para lustrar sus zapatos".

"Es exactamente como si alguien aplicara betún sobre un periódico, no puedes leer nada", señaló el científico, que relató el modo en el que lograron diferenciar la escritura del músico de la substancia que la recubría.

"Eran tipos de tinta distintos, con metales distintos. Usamos los rayos X para excitar los metales de la tinta, para que produjeran su propia luz y pudiéramos trazar un plano con esos destellos", explicó Wogelius.

De esa forma, la sustancia negra "desaparece y solo vemos los trazos del metal. El zinc, el hierro y el potasio aparecen de pronto. Puedes observar la belleza de la tinta que el compositor utilizó. Ha sido uno de los escáneres más gratificantes y asombrosos que he hecho nunca", relató el científico.

Cherubini se hizo con un lugar en la historia de la música con la obra "Medea", una ópera que Beethoven alabó en diversas ocasiones y señaló como la composición cubre del músico italiano.

viernes, 14 de junio de 2013

Mantendré "vivo" el blog de AZIZ EFRAIN MUCI-MENDOZA, con artículos que supongo, a él le hubieran interesado. Este es sobre su compositor de ópera predilecto: Gioacchino Rossini


El blog de Aziz Muci Mendoza se mantendrá vivo publicando artículos que supongo le  intereesarían al Aziz
que yo conocí entre 1981-1986

El Carabobeño 10 enero 2013

Martha Barroeta || Taller de Fantasía


Gioachino Rossini
Gioachino Rossini o Gioacchino fue un compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas particularmente por las cómicas. 
Rossini
“Un éxito más no añadirá nada a mi fama; en cambio una caída me perjudicaría. No tengo necesidad de aquel ni quiero exponerme a ésta”.Rossini
Con este titulo Rossini recordemos un poco la vida y la obra de este músico innovador.
Gioacchino Rossini, de origen italiano, mejor dotado para enriquecer el repertorio de la ópera, fecundidad prodigiosa demostrada tantas veces en innumerables obras, había sido designado por el destino a escribir, en breve tiempo, la famosa y contagiante ópera titulada El Barbero de Sevilla.
De la ópera italiana Rossini se levanta como figura fundamental; la condición de autor de óperas serias y óperas bufas, lo hace considerar como un elocuente elaborador haciendo que las actividades que giran en torno a él sean de la más preciada minuciosidad.
El aporte que Rossini ofreció a la música culta queda demostrado de manera muy clara en sus innumerables creaciones donde se destacan: a) El recitativo secco (1), alejando las distintas piezas de espléndidez de los cantantes; b) Las agilidades de los cantantes, melismas (2) y el común gorgorito (3) para prodigar las arias; c) el repetir progresivamente varias veces un breve fragmento, fueron las armas peculiares que utilizó el genio rossiniano para que sirvieran de portada a sus italianísimas creaciones.
El genio rossiniano triunfó cuando la ópera italiana se encontraba en descenso y muy favorable fue la creación de El Barbero de Sevilla: que, si bien no fue comprendida inmediatamente, más tarde recibió enorme acogida, pues, el público entendió la loable actividad desplegada en tan magnífica obra, además de ser “popular”.
Un breve comentario acerca de El Barbero de Sevilla: obra poseedora de gracia y dinamismo contagiantes, fue estrenada en 1816 bajo el título de Almaviva, ossia la inutile precauzione. Contiene una fuerza tal que domina las situaciones y los tipos, crea melodías transparentes, frescas y atrayentes, al tiempo que se ponen de manifiesto la notable improvisación y la imaginación creadora.
Produce milagrosas ideas de varias personas entre las reuniones musicales propias del melodrama y el consentimiento dramático exigido por la acción.
Esta ópera bufa es la estampa magistral de Rossini quien sintetizó la ópera cómica con estas palabras: “Poca ciencia, un poco de corazón y nada más”
(1) Forma de recitado entre las arias y los desarrollos musicales con pasajes declamados.
(2) Ornamento vocal, por el que se establecen diversas notas sobre una sola sílaba.
(3) Quiebro que se hace con la voz en la garganta, especialmente al cantar.
mebarroeta@hotmail.com

La serie que escribe Martha Barroeta sobre la ópera...la gran pasión de Aziz Muci-Mendoza

El Carabobeño 30 mayo 2013

Martha Barroeta || La Ópera

El vocablo de ópera, proviene del italiano que significa obra, entendida como creación máxima del arte musical; la obra por antonomasia, que comprende: drama, canto, danza, sinfonía, decorado vestuario y maquinaria teatral. Se emplea esta denominación desde fines del s. XVII; antes se decía tragedia lírica, drama heroico, tragedia-ópera, etc.
La historia de la ópera señala su antecedente más antiguo como espectáculo teatral con música. Se supone que el verdadero creador del género fue Emilio de Cavalieri, aunque la primera obra del género fue Orfeo, de Monteverde (1608), seguida de L’incoronazione di Poppea (1642), del mismo compositor. Jacobo Peri y Giulio Caccini fueron otros cultores del nuevo género creado por el Renacimiento.
Su historia se inicia con el año 1594 (fecha de la muerte de los maestros Lasso y Palestrina) cuando el compositor Peri puso en música La Dante de Rinuccini. Esta realización operística fue precedida de toda clase de ensayos en estilo recitativo, tendentes a la emancipación de la polifonía y de múltiples formas escénico-musicales dentro del género dramático y cómico.
Dentro del movimiento espiritual del siglo XIX, la ópera representa un papel decisivo. Así como tradicionalmente el problema de la independencia nacional ha sido decidido siempre en el dominio operístico, así la ópera asume una importante función de vanguardia en el momento en que se amplió el círculo de las naciones que iban a participar en la evolución musical. Esta evolución se efectuó en un sentido análogo, aunque no sin plantear múltiples problemas en los tres países de cultura musical tradicional: Italia, Francia y Alemania. Desde que el compositor alemán de nombre Gluck, obtuvo las últimas consecuencias de los géneros de la ópera seria y de la tragedia lírica sin preocuparse de las delimitaciones típicas, el carácter nacional de la ópera perdió en general su rigurosa eficiencia. La misma época que produjo el virtuosismo cosmopolita dio los últimos pasos hacia la internacionalización de la ópera. Con su cuartel general en París, pero con la colaboración decisiva de compositores alemanes e italianos, nació con una repercusión universal, el género de la “gran ópera”, que merece ser llamado el fraccionamiento, cada vez más extenso de la herencia espiritual de la aportación Glukiana.
Sus orígenes en occidente se remontan a la Grecia antigua, en donde los coros y las danzas formaban una parte esencial, en la escenificación de las tragedias. La música estuvo integrada a la acción en los dramas litúrgicos y los autos sacramentales de la iglesia medieval.

En 1637 la ópera deja de estar limitada a ser entretenimiento aristocrático de la corte; con la inauguración del Teatro San Casiano, en Venecia, el primer teatro de la ópera del mundo, comienza a ser accesible a las clases menos privilegiadas.


El Carabobeño 06 junio 2013

Martha Barroeta || Taller de Fantasía

La Ópera (II)
mebarroeta@hotmail.com
Entre los géneros precursores de la ópera tenemos: 1.- AUTO SACRAMENTAL: El más antiguo conocido es de Hermón López de Yanguas: Farsa sacramental, asimismo el primero consagrado a la festividad del Corpus Christi (hacia 1520 - 1521). Continuadores de López de Yanguas son: Diego Sánchez de Badajoz, y, posteriormente, Timoneda, Lope de Vega, Mira de Amescua, Tirso de Molina y Valdivieso, hasta llegar a Calderón, en quien el auto sacramental alcanza plenitud. En 1765, por Real Cédula del 11 de junio fue prohibida la representación de los autos sacramentales en España y sus dominios. En nuestro tiempo, algunos autores españoles, entre ellos Rafael Alberti, Miguel Hernández y Gonzalo Torrente Ballester, han retomado el auto, sin encontrar eco.
2.- EL DITIRAMBO: El ditirambo fue al principio un himno que los vendimiadores entonaban en honor de Dioniso, dios del vino. Según Heródoto, Arión lo convirtió en género literario al enseñar, por primera vez, a un coro de quince jóvenes, a danzar en rueda alrededor del altar del dios mientras cantaban una oda ditirámbica.
Probablemente el ditirambo evolucionó hacia el drama, satírico. Después del siglo V, el ditirambo decayó. En Roma no tuvo aceptación.
3.- LAS MASCARADAS: Espectáculo elegante puesto en escena en los siglos XVI y XVII; en el que la representación, danza, poesía, y música vocal e instrumental eran combinadas para exponer historias alegóricas o mitológicas. La mascarada se desarrolló por primera vez en Italia y Francia.

LA CAMERATA FLORENTINA

Grupo de músicos e intelectuales que solían frecuentar los salones del Conde Giovanni de Bardi de Florencia (h. 1573-1587). Bardi estimuló a Vicenzo Galilei a que hiciera investigaciones sobre la música griega y logró que se interpretaran las obras de Caccini.
Próximo a morir el siglo XVI, tanto la ópera como el oratorio preparan con más firmeza su advenimiento. Un hogar florentino -la famosa Camerana del conde Bardi- se inspira en el helenismo y más particularmente en Platón, por lo cual aquel grupo se denominó: Academia. Se habla de todo pero muy especialmente de música, y de la música antigua. Se siente la necesidad de resucitarla, oponiendo a la polifonía entonces imperante la monodia acompañada instrumentalmente.
Acababan de ser descubiertos tres himnos de la antigua Grecia, y aunque su notación era enigmática para todos, inspiraron a Vicente Galilei, la idea de componer varias canciones, que entonaría un solo individuo y se acompañaría con el laúd. No quedó en proyecto la original innovación utilizando aquel músico el infierno de la divina comedia y las lamentaciones del bíblico Jeremías, asumió la tarea con gran asombro de sus admiradores, asombro que mal podemos compartir nosotros hoy porque no subsiste aquella música, como tampoco subsisten otras muchas de aquella época y de posteriores tiempos. (Continuará).
El Carabobeño 13 junio 2013

Martha Barroeta || Taller de Fantasía

La ópera (III)

Continuando nuestra entrega anterior, donde habíamos dado comienzo al estudio de La Camerana Florentina, la semilla echada en el surco fructificó tantísimo, que prepara el nacimiento de la ópera, porque el espíritu del Renacimiento tendía al triunfo del individuo y al culto del héroe. Queda sustituido el grupo de los coristas por el virtuoso; a la expresión conjunta sucede con expresión dramática personal. También con frecuencia se ejecutan madrigales, cantando solamente la voz superior mientras las otras partes polifónicas corrían a cargo de un instrumento policorde.
El conde Giovanni Bardi di Vernio (1534-1612) se había entusiasmado en su camerana con tales ideas, y con él otros cantantes, alentados por aquel esclarecido prócer, los cuales las pondrían en ejecución no sólo como intérpretes, sino como autores. El último decenio del siglo XVI ilustra la música teatral con algunos ensayos fieles a la feliz innovación lírica. Los madrigales en estilo musical recitativo de Giulio Caccini son imitados por el gentil hombre romano Emilio de Cavalieri, autor de bailes y de intermedios gustadísimos en Florencia, pues sin formar en las filas de la Camerana, saboreaba los frutos cosechados allí. Fue tan rotundo el éxito que obtuvo Cavalieri en sus representaciones anteriores que muy pronto teorizará extensamente sobre la materia.
Según este compositor, nunca deberán exceder de mil los espectadores congregados, pues de lo contrario se fatigarán los cantantes de alzar demasiado la voz.
Pide que el autor concuerde sus gestos y pasos con las palabras y que atienda la expresión sin añadir ornamentos ni pasajes a lo consignado por los autores.
También reclama que la orquesta se oculte a la vista del público y que la instrumentación varíe para acomodarla al color de los sentimientos. No tendrá el libro más de setecientos versos, ni tendrá la obra más de tres actos. Se alternarán recitados y diálogos, solos y coros y se intercalarán ballets e intermedios en las representaciones.
Era Emilio de Cavalieri un artista que estaba en todo, como se ve.
Características de la ópera, de esa época
1.- La aportación que le dio Mozart a la ópera seria fue de una importancia mucho mayor; frente al esquematismo convencional en la acción de las óperas corrientes, basadas en argumentos afectados y de intrigas complicadas, en escenificaciones espectaculares y de un virtuosismo superficial, señaló de nuevo la importancia del drama para la ópera.
2.- La asociación de música y drama en los inicios del Barroco no constituía ninguna novedad ya que había existido desde tiempo atrás en los llamados dramas litúrgicos de la Edad Media, en los precursores del Auto Sacramental, en el misterio y en las comedias alegóricas.
(Continuará)

 

martes, 11 de junio de 2013

¡Cómo hubiera disfrutado Aziz Muci-Mendoza este acto ya que él era pianista concertista profesional que no pudo ejercer en Valencia por haber sufrido un trágico accidente automovilístico yendo a dar un concierto en USA donde estaba residenciado, accidente cuyas consecuencias lo hicieron volver a Venezuela...en condiciones físicas muy duras...Copio esta nota en su memoria para mantener vivo este blog como una llamita que en medio del silencio que sobre él existe en Valencia, siga honrando su memoria...

El piano de Teresa Carreño sonará de nuevo en El Cerrito

Una imagen referencial de Teresa Carreño/ Cortesía
Una imagen referencial de Teresa Carreño/ Cortesía
En la charla "La Walquiria del Piano" los asistentes podrán disfrutar además, gracias a la tecnología, de las interpretaciones originales de la afamada pianista

¡La Música de Salón revive en Caracas! presenta este 15 de junio a las 5 p.m. en el marco del ciclo  “Agasajos, convites y saraos. Y no degenerará en baile”  una charla muy especial titulada La Walquiria del Piano, sobre Teresa Carreño, donde la novedad en sí es la presentación de las grabaciones de época de las interpretaciones de la propia Teresa Carreño al piano y que, gracias a la tecnología, podrán ser disfrutadas por el público que asista a las 5 p.m. a la quinta El Cerrito (Villa Planchart), en San Román.
La Walquiria del Piano nos presenta a una mujer única, de gran carácter, con una consistencia tal que su legado sobrevive hasta nuestros días. Claudia Galavís, en amena charla promete acercar a los asistentes hacia  una visión humana de  los momentos más importantes de la vida de Teresa Carreño.
“Fue una mujer que llegó a los más elevados grados de reconocimiento internacional durante más de 60 años de carrera, en una profesión  exclusivamente masculina, como era la de pianista. Mediante historia, el uso de imágenes y la escucha de obras interpretadas por la propia artista podremos conocer la valía de esta gran artista venezolana. Ninguna mujer tuvo ni ha tenido la consistencia artística de Teresa Carreño durante tantos años. Esta artista tocó en los cinco continentes del mundo, fue excelente pedagoga, conoció a la flor y nata de la intelectualidad artística en Europa y Estados Unidos, compuso música y vivió su vida entera por y para el arte”, comenta Cluadia Galavís, quien es soprano de Música Reservata y docente.
Utilizando los artilugios de la época, Teresa Carreño logró grabar varias de sus interpretaciones, y hoy gracias a la tecnología moderna, esas piezas fueron rescatadas y llevadas a los formatos actuales. Así que de nuevo se podrá volver a escuchar a esta pianista insigne, que tanto orgullo representa para Venezuela.