A Cora Páez de Topel Capriles

A Cora Páez de Topel Capriles
A Cora Páez de Topel Capriles, gran amiga de Aziz Muci-Mendoza, él le recordaba al compositor de mediana edad Gustav von Aschenbach, protagonista de la película franco-italiana "Muerte en Venecia" (título original: Morte a Venezia) realizada en 1971 y dirigida por Luchino Visconti. Adaptación de la novela corta del mismo nombre del escritor alemán Thomas Mann.Se trata de una disquisición estético-filosófica sobre la pérdida de la juventud y la vida, encarnadas en el personaje de Tadzio, y el final de una era representada en la figura del protagonista.

miércoles, 25 de septiembre de 2013

"La obra de Manolo Valdés es un replanteamiento que penetra y cuestiona en su totalidad las normas canónicas de mirar y recordar la historia del arte", alude la curadora de la muestra que lejos de ser una exposición antológica, indaga en la diversidad de lenguajes que han cautivado el ingenio del artista visual español..."

La genealogía de Manolo Valdés

La muestra homónima inaugura el domingo en la galería Freites.

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Sus pinturas parten de la obra de los grandes maestros (Cortesía)
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JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL
miércoles 25 de septiembre de 2013  
Manolo Valdés (España, 1942) recrea una metaformosis de la obra de los grandes maestros del arte moderno. Para el creador valenciano, las pinturas de Henri Matisse, los retratos de Diego Velázquez, Fra Filippo Lippi y Lucas Cranach constituyen un recuerdo ancestral. Una suerte de árbol genealógico de su trabajo. 

"Valdés es un constructor de imágenes. Él retoma ese legado de la historia del arte para construir un nuevo espacio y un discurso inédito. Parte de un registro, de una coordenada ya estampada, para articular su propio lenguaje con el cual transforma el imaginario del arte occidental y le agrega nuevos valores y dimensiones a las imágenes del pasado clásico", comenta la curadora María Luz Cárdenas acerca de la muestra homónima del pintor y escultor que comparte su vida entre Nueva York y Madrid. 

Una serie de 40 piezas monumentales se exhibirá a partir del domingo en la galería Freites de Las Mercedes. Retratos de reyes y reinas pintados sobre tela o tallados en madera. Representaciones mitológicas en metal y alabastro emergen de la tierra con una morfología casi colosal y un nuevo dilema. 

La pintura ecuestre de Felipe IV (Velázquez, 1634) aparece deconstruida entre pedazos de saco. Lo mismo sucede con el Retrato de mujer y hombre en una ventana de Lippi que Valdés esboza en tela. La transformación del rostro de laVenus de Cranach, cuyas facciones se desvanecen en óleo y renacen en materiales austeros.

"Estos personajes entraron en mi cabeza y nunca me he propuesto sacarlos. Pienso que su retorno indica que se puede hacer algo más. Ellos están allí y yo sólo recurro a diversos materiales para darles una nueva vida en el espacio. Para contar algo distinto a la historia con la que vienen marcados", explica el creador que en 1985 fue reconocido con el Premio Nacional de Bellas Artes en España. 

Valdés confiesa que no tiene límites. Se considera un aventurero movido por la insatisfacción. "Me persigue la inconformidad. Siempre quiero más y en esa búsqueda insaciable encuentro otro elemento, otro motivo. Aunque confieso que los materiales se escogen en función de las preocupaciones", dice el artista visual que ha experimentado con madera verde, alabastro y metal.

Para Valdés, el entorno se ha convertido en una obsesión. "Soy un amante del espacio. De los jardines al aire libre y de las ciudades. Porque el ambiente y las estaciones también influyen en mi obra. No es lo mismo ver una pieza a plena luz del día o en la oscuridad de la noche; en primavera o en otoño la impresión cambia", describe el creador que en 2012 mostró sus cabezas envueltas con tocados de mariposas en el Jardín Botánico de Nueva York. 

"La obra de Valdés es un replanteamiento que penetra y cuestiona en su totalidad las normas canónicas de mirar y recordar la historia del arte", alude la curadora de la muestra que lejos de ser una exposición antológica, indaga en la diversidad de lenguajes que han cautivado el ingenio del artista visual español. 

"La sorpresa ha sido buena. El espacio se apropia de distintos momentos históricos de mi obra. Me llevo una impresión positiva y sobre todo un nuevo motivo para crear", comenta Valdés mientras recorre los espacios de la galería que reviven su estancia en Venezuela luego de un lustro. 

Durante la entrevista, no contiene la emoción que le produce retornar al país con una nueva muestra. Quizá la nostalgia, lo motiva a reflexionar en medio de la conversación. "Cuando tenía 16 años abandoné la escuela de artes plásticas. Tenía dudas, pero sabía que quería pintar. Aprovecho para caer en cuenta que hoy después de 70 años estoy donde me soñé", concluye.

El artista español Juan Asensio presenta su primera muestra individual en el país. Una serie de esculturas en las que aflora la sensualidad poética de los acabados y la búsqueda del lenguaje de lo esencial inspirada en las formas geométricas.

La exposición homónima, que también inaugura el domingo en la galería Freites, reúne 45 piezas en mediano formato, esculpidas sobre mármoles, granitos y otras vaciadas en acero inoxidable, cuyo proceso creativo proyecta formas esenciales y puras. A juicio de la curadora María Luz Cárdenas, "nos permite transitar con plena libertad y fluido ritmo por entre sus formas fijas, permanentes. Con intachable pureza e inteligente destreza, ha ubicado su reflexión en una dimensión donde el arte contemporáneo habita la comunión entre racionalidad y sentimiento".

Asensio talla líneas, curvas y cavidades sobre la rigidez de una piedra. Mármol negro de Bélgica, mármol blanco Sivec -proveniente de la zona de Los Balcanes-, y el granito negro de Zimbabue, son algunos de los materiales que el artista trabaja para romper con la rigidez de las formas. 

"En 1982 Asensio comenzó a trabajar la piedra y con ello inició la formulación de un lenguaje propio, un alfabeto escultórico armado con la fuerza del material y la intervención de la geometría", explica la curadora acerca del trabajo del escultor que vive y trabaja en Cuenca.

Carlos Márquez, el esposo de la gran Juana Sujo a quien debe su formación actoral y apoyo para entrar en el medio teatral siendo él muy joven y de dudoso talento, se despide de su carrera artística con un monólogo escrito por José Gabriel Núñez sobre la base de una obra de Chévoj, que será acompañado musicalmente por Tony Monserrat, bajo la dirección de Ibrahím Guerra

Carlos Márquez se despide de los escenarios

El experimentado actor estrenó anoche su monólogo "Inolvidables".

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Carlos Márquez deleitará al público con grandes actuaciones y canciones (Oswer Díaz/Archivo)
EL UNIVERSAL
viernes 20 de septiembre de 2013  
El actor venezolano Carlos Márquez se despide de su carrera artística con un monólogo escrito por José Gabriel Núñez sobre la base de una obra de Chévoj, que será acompañado musicalmente por Tony Monserrat, bajo la dirección de Ibrahím Guerra, una constelación de maestros que en los espacios de la Sala de Conciertos de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, desde hoy, harán de la obra Inolvidables, un hermoso acto celebratorio.

Referirse a Carlos Márquez es abordar la historia del teatro en Venezuela. Su nombre está vinculado al desarrollo de telenovelas emblemáticas, pero también al de grandes figuras del teatro como Juana Sujo, quien fuera su esposa y compañera de artes escénicas.

Tras 70 años de labor le dice adiós a las tablas con un espectáculo unipersonal, en el cual emprende un viaje hacia el mundo de los personajes que nunca pudo interpretar en su larga carrera. Hamlet, Segismundo, Vasílievich, entre otros, acompañan al actor en su retirada para que la despedida no tenga un dejo de tristeza, sino de fiesta teatral, de la mano de autores como Shakespeare, Calderón de la Barca, Chéjov o Eurípides. El primer actor demostrará también su talento como cantante con varios clásicos del bolero.

El público asistirá a la experiencia de Vasili Vasílievich, un viejo actor que termina de hacer la función con la cual pone punto final a su carrera teatral y quien, cuando cae el telón, se queda viendo desde el escenario la sala vacía e inicia un melancólico viaje a través de sus recuerdos. Se trata de El Canto del Cisne, escrita por Anton Chéjov.

El público podrá acompañar a Carlos Márquez en esta despedida, hasta el 29 de septiembre, de jueves a sábado a las 7:00 pm y los domingos a 6:00 pm, en la Sala de Conciertos de Unearte. Las entradas tendrán un valor de 30 bolívares.

En junio de 2013, "Los C4" fueron galardonados con tres premios Pepsi Music por su disco junto a Gualberto Ibarreto, ceremonia en la que compartieron escenario con Rafael "Pollo" Brito en la actuación más aplaudida de la noche, lo que dio pie a emprender su gira nacional 'Seguros de lo nuestro', junto al carismático cantante, así como un disco en conjunto titulado De Repente, que saldrá a la calle en noviembre.

C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito inician gira nacional

El primer concierto del periplo será este domingo en San Cristóbal.

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Una mezcla explosiva es lo que se difundirá por todo el país (Cortesía)
EL UNIVERSAL
viernes 20 de septiembre de 2013  
El ensamble de música instrumental C4 Trío y el cantante Rafael "Pollo" Brito ofrecerán un concierto sin igual este domingo a las 6:00 pm en el Teatro de la Casa Sindical de San Cristóbal, ciudad que visitan por primera vez para abrir la gira que recorrerá diez ciudades del país. El ensamble tachirense Sonidos de Venezuela será el encargado de abrir el espectáculo. 

En junio de 2013, "Los C4" fueron galardonados con tres premios Pepsi Music por su disco junto a Gualberto Ibarreto, ceremonia en la que compartieron escenario con Rafael "Pollo" Brito en la actuación más aplaudida de la noche, lo que dio pie a emprender su gira nacional 'Seguros de lo nuestro', junto al carismático cantante, así como un disco en conjunto titulado De Repente, que saldrá a la calle en noviembre.

El tour incluye las siguientes presentaciones: 17 de octubre: Margarita - C4 Trío, Rafael "Pollo" Brito y Gualberto Ibarreto; 18 de octubre: Puerto La Cruz - C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito; 19 de octubre: Cumaná- C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito; 23 de octubre: Mérida - C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito; 25 de octubre: Maracaibo - C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito; 27 de octubre: Barquisimeto - C4 Trío y Gualberto Ibarreto; 31 de octubre: Punto Fijo - C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito; 1 de noviembre: Maracay - C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito; 3 de noviembre: Valencia - C4 Trío y Rafael "Pollo" Brito.

La agrupación, integrada por Jorge Glem, Edward Ramírez, Héctor Molina y Rodner Padilla, realizó una gira de conciertos por ocho ciudades de Colombia del 10 al 22 de abril pasados. Bogotá, Tunja, Villavicencio, Medellín y Cartagena, fueron algunas de las ciudades visitadas. 

Para más información sobre la gira venezolana visitar la página web del grupo, www.c4trio.com.

Acabó el tormento para el colombiano Álvaro Mutis (1923-2013). Y no aquel que deriva del dolor físico -falleció este domingo tras una larga enfermedad que lo mantenía hospitalizado y que desembocó en un colapso cardio-respiratorio-, sino el que le producía la escritura.

El final del tormento para Mutis

El escritor colombiano falleció el domingo a los 90 años de edad.

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Mutis valoraba su amistad con García Márquez (AFP/Archivo)
ÁNGEL RICARDO GÓMEZ
EL UNIVERSAL
martes 24 de septiembre de 2013  
Acabó el tormento para el colombiano Álvaro Mutis (1923-2013). Y no aquel que deriva del dolor físico -falleció este domingo tras una larga enfermedad que lo mantenía hospitalizado y que desembocó en un colapso cardio-respiratorio-, sino el que le producía la escritura.

A su compatriota Gabriel Mantilla Chaparro, autor del libro Ser filosófico y ser poético en la obra de Álvaro Mutis -obra que ahora cobra mayor importancia-, le escribió una carta en la que le dice que su estudio le ha parecido "titánico, lúcido y revelador". "Revelador de zonas de mi ser que yo tenía ocultas sin saberlo y que usted pone en evidencia con una certeza que ha llegado a espantarme. En ese espejo nunca pensé que pudiera verme", señala el bogotano.

En la misiva le confiesa: "Escribir ha sido para mi, desde cuando escribí mi primer poema destinado a la publicación, un tormento aterrador".

Mantilla opinaba en una entrevista con El Universal de 2006: "El escritor es como el actor en su relación con otro actor, el lector, en medio de este grande y pequeño teatro que es el mundo y su sustancia de realidad. Hay que vivir el papel con una fuerza solo capaz en el espíritu humano. Y esa fuerza, esa tenacidad en la escritura para encontrar la manera de expresarla con la s mejores palabras, conmueve, atormenta, aterra".

Pero Álvaro Mutis sabía llevarlo muy bien. Creador del emblemático personaje Maqroll el gaviero, nació el 25 de agosto de 1923 en Bogotá, pero al igual que su compatriota y amigo Gabriel García Márquez se estableció desde 1956 en México. 

Su llegada se dio escapando de una presunta acusación de fraude, por malos manejos monetarios como trabajador de la empresa Esso. 

Dos cartas de recomendación bajo su brazo, una dirigida al cineasta Luis Buñuel y otra al productor Luis de Llano, le abrieron camino en la capital mexicana.

Entre la obra poética de Mutis destacan Los elementos del desastre (1953), donde aparece por primera vez Maqroll, y Memoria de los hospitales de ultramar(1959). Como novelista publicó La mansión de Araucaíma (1973). 

En 1974 obtuvo el Premio Nacional de Letras de Colombia, el primer reconocimiento importante a su obra. Luego logró, en 1997, el premio Príncipe de Asturias de las Letras y en 2001 el Cervantes, el máximo reconocimiento a escritores españoles e hispanoamericanos. 

Precisamente en 2001 Marcelo Risi, corresponsal de la BBC, lo entrevistaba y el literato dejaba escapar rasgos de su personalidad. "Con tal de que no me digan maestro ni me digan doctor, pueden meterse hasta con mi mamá. Señor Mutis nomás. Piense usted, que yo no acabé bachillerato, porque no aprendí a manejar los quebrados en la aritmética. Me causó tal angustia el pensar que tendría que aprender eso que resolví no estudiar más. Entonces con que me diga señor, que ya también es un compromiso muy grande, quedo contento".

La muerte de Mutis ha generado reacciones en todos los ámbitos. "Los millones de amigos y admiradores de Álvaro Mutis lamentamos profundamente su muerte. Colombia entera le rinde honores", escribió en Twitter el presidente de Colombia Juan Manuel Santos.

"Una vida como la de él, que muere a los 90 años, es una vida concluida, lograda y exitosa", explicó el escritor colombiano Santiago Gamboa en entrevista telefónica a EFE desde Guadalajara. 

El Ministerio de Cultura de Colombia y la Biblioteca Nacional tuitearon: "@mincultura y @bncolombia lamentan el fallecimiento de nuestro escritor Álvaro Mutis. Luto en la literatura colombiana e hispanoamericana".

Lindsay Kemp y Luis Brito, dos lenguajes, una esencia

MARACAIBO (infoCIUDADANO)
18/Septioembre/2013
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“Inútil es matar. La muerte prueba que la vida existe.”
Lindsay Kemp
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Contó Lindsay kemp alguna vez que, cuando tenía seis o siete años, divertía a los vecinos, subiéndose a la mesa de la cocina, completamente maquillado, a bailar en punta.
Al parecer, el juego de la danza y el maquillaje se sembró en él desde esa tierna edad y no lo abandonó nunca más.  Así nació el personaje “Linsay Kemp” que surge, “Como Sherezade, de la necesidad de contar historias –dijo en una entrevista-. Imagínate, para un niño que ha nacido y pasado su juventud en una ciudad como Liverpool, las historias eran la única forma de sobrevivir y de protegerme a mí mismo. Sin el humor tampoco habría podido sobrevivir”.
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El inquieto, juguetón, imaginativo y creativo niño de Liverpool, creció, se hizo bailarín, mimo, coreógrafo, director, actor, pintor… Nunca dejó de jugar, de experimentar, de buscar una manera propia de expresarse, de conseguir ese lenguaje con el cual hacerse entender más allá de las palabras, que siempre le parecieron escurridizas.
Así lo descubrió Luis Brito, el fotógrafo, a quien también las palabras parecen huirle, se le deshacen en el camino; pero que, con su cámara, logra construir un lenguaje capaz de comunicar, a través de impactantes y dramáticas imágenes, todo el mundo interior de las personas a quienes apunta con su lente, y el suyo propio.
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Las fotografías que Luis le hiciera a Lindsay Kemp en Roma, en 1980, en los camerinos del teatro, captan toda la fuerza expresiva del artista inglés, con su mirada retadora y a la vez seductora.
Las imágenes hablan de un hombre que se transforma, más allá del travestismo o del espectáculo Drag Queen, en un artista que explora, que escudriña en la feminidad. No se ve el hombre que quiere ser mujer, que simula ser mujer; se observa a un artista que quiere sumergirse en el mundo femenino.
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Las fotografías hablan de ese niño de Liverpool que se maquillaba y bailaba para los vecinos, convertido en un artista que, en el fondo, sigue haciendo lo mismo, pero desde la perspectiva de la creación artística y el estudio de la interioridad del ser humano.
De allí, el drama y la belleza de las imágenes de Luis Brito. Con esos contrastes y claroscuros que dan fe tanto de la esencia de Kemp como de la del mismo Brito. Es que, al final, con diferentes lenguajes y maneras de expresarse, ambos artistas –Kemp con su cuerpo y Brito con su cámara–, parecen perseguir los mismos objetivos y estar obsesionados por los mismos motivos: la búsqueda de la belleza, la muerte y la locura… la esencia de la vida. Tal vez por eso las fotografías impactan tanto a quien las observa, porque es evidente que entre el objeto retratado y el fotógrafo hay lazos intangibles pero perfectamente perceptibles.
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La presencia de los espejos en varias de las fotografías contribuye a dar la sensación de drama e irrealidad a la imagen. El espejo parece mostrar la realidad que se esconde detrás del fuerte maquillaje de trazos gruesos y colores intensos, la realidad que minutos más tarde se presentará en el escenario. O tal vez, en esos espejos  quedará escondida la realidad que ya no será, cuando el artista esté en escena.
Son fotografías que hacen que a veces con drama y otras con humor, el espectador se remonte al teatro griego, al antiguo teatro japonés, a esas representaciones antiguas cuando los hombres interpretaban personajes femeninos. No imitaban a las mujeres, las interpretaban.
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Cuando se miran estas fotografías hay que detenerse en la textura de las pieles, en la fuerza del maquillaje, en la intimidad del ambiente, en la fuerza y profundidad de las miradas, en el movimiento de los personajes, en la intensidad del gesto. Es allí, donde está la esencia tanto de Lindsay Kemp como del propio Luis Brito.
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Luis Brito retrata una metamorfosis creativa

"Lindsay Kemp, una noche en el camerino" inaugura el jueves en Artepuy.

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El fotógrafo venezolano Luis Brito capturó la esencia femenina del artista inglés Luis Kemp (Cortesía)
JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL
martes 24 de septiembre de 2013  08:14 AM
Un rostro se tiñe de blanco y exalta sus labios en rojo carmesí. Una mirada cándida se oculta entre un par de ojos sombríos y la sonrisa picaresca del bailarín británico Lindsay Kemp, quien en pocos minutos se despoja de sus vestiduras de mimo y se transforma en la Hipólita de la obra de William Shakespeare, protagonista de Una noche de verano.

Luis Brito (Río Caribe, 1945) documentó la metamorfosis de su femineidad en una serie de 27 fotografías en variados formatos, a blanco y negro y en color, que se exhibirán a partir de este jueves en la galería Artepuy de Las Mercedes.

"Estas imágenes las tomé en la década de los 80, con la idea de curucutear ese espacio donde un actor se mueve y se prepara para transformarse en otro ser viviente", comenta el autor de la muestra Lindsay Kemp, una noche en el camerino.

Retratos del coreógrafo de Liverpool frente al espejo. Imágenes de Kemp entre luces, pinturas y pinceles mientras modifica su semblante minutos antes del show, cuelgan de las paredes de la sala. "Cuando se miran estas fotografías hay que detenerse en la textura de las pieles, en la fuerza del maquillaje, en la intimidad del ambiente, en la profundidad de las miradas, en el movimiento del personaje y en la intensidad de sus gestos", explica el comunicador social, Golcar Rojas, en el texto de la exposición. 

La esencia del también profesor y mimo británico fue capturada en 24 milímetros. "Yo acostumbro a trabajar con un lente de 35 mm, pero la expresividad y seducción de su rostro me impulsaron a trabajar en esas distancias focales. Sin ser una alegoría al travestismo, sólo quise mostrar la vida de un hombre común que simula ser mujer; un artista que sumergió su alma en el mundo de lo femenino", concluye Brito. 

jmoron@eluniversal.com

BIOGRAFIA Y TRAYECTORIA DE LA COMPAÑIA TEATRAL DE Lindsay Kemp

Escrito por  el 15/ene/2011 
Lindsay Kemp es un bailarín británico, actor, profesor, mimo y coreógrafo.
Nacido en South Shields el 3 de mayo de 1938, Kemp fue criado en Yorkshire y asistió a Bradford Art College antes de estudiar danza con Hilde Holger y el mimo con Marcel Marceau.
Kemp formó su propia compañía de baile en los años sesenta y el primer llamado la atención por su aparición en el Festival de Edimburgo en 1968. Kate Bush y David Bowie fueron los estudiantes de Kemp y, brevemente, los miembros de su compañía, Bowie como un artista intérprete o ejecutante, a Bush como un vestuario asistente.
Estilo de Kemp de rendimiento, una mezcla de Butoh, Mimo, burlesco, arrastrar y Salón de la Música, tiene en diferentes momentos se ha descrito como fascinante, colorido y autoindulgente,[cita requerida] , pero rara vez deja de atraer buenas críticas y una base de fans leales.[cita requerida] Sus representaciones teatrales muchos de ellos incluyen Pierrot en turquesa, turquesa Pantomima, Carmesí pantomima, payasos, Leyendas, Flores, Salomé, Punch Pantomima señor, una noche de Deam verano, Duende, Nijinsky El Loco, Fachada, El gran desfile, Alice, onnagata, Cenicienta, Varieté, Danzas sueño, y, en el Ballet Rambert, Desfiles GONE Por (1975) y Jardín Cruel (1977). Él organizó y realizó en David Bowie Ziggy Stardust conciertos en Londres Rainbow Theatre en agosto de 1972, y, con Jack Birkett (ver abajo), aparece en el video promocional de Bowie sencillo “John, I’m Only Dancing”(dirigida por Mick Rock). la película de papeles Kemp incluyen un papel secundario en el Bush cortometraje Kate La Línea, la Cruz y la curva (1994), una bailarina y artista de cabaret de Derek Jarman”s Sebastiane (1976) y Jubileo (1977), respectivamente, una dama de la pantomima en Todd Haynes ‘ Velvet Goldmine (1998) y el maravilloso campo de pub propietario aliso MacGregor en Anthony Shaffers ‘ The Wicker Man (1973).
Durante la década de 1970, Kemp fue un popular e inspirador[cita requerida] profesor de baile / MIME con una regular de dos horas y media sesión en el Centro de Danza en la calle Floral, Covent Garden.[cita requerida]
Lindsay Kemp ahora vive cerca de Roma, Italia.
[editar]Filmografía
Los amantes vampiro (1970), como bufón
Savage Messiah (1972), como Corky Angus
The Wicker Man (1973), según MacGregor Aliso
El Stud (1974), como Topstar
Sebastiane (1976), como bailarín
Jubileo (1977), como intérprete Cabaret
Valentino (1977)
A Midsummer Night’s Dream de la televisión (1985), como Puck
Cartoline italiane (italiano Postales) (1987)
La línea, la Cruz y la Curva (1993), como ‘Guía’
Velvet Goldmine (1998), como Dame Pantomima
Aspectos de la huésped en el programa de televisión española La Mandrágora en 2005 y 2006.

Recientemente Hana fue reconocida por Amnisitía Internacional con el título de Emisora de Conciencia apoyando la campaña "Basta de Balas" en contra de la venta y porte de armas de fuego, y su primer sencillo "Normalidad" fue seleccionado para integrar el CD compilatorio Canta por una vida libre de Violencia2.

La "Normalidad" de Hana Kobayashi se oirá en el Trasnocho Cultural

Gonzalo Teppa (bajo), Hugo Fuguet (guitarra), Anderson Quintero (bateria), y Ezequiel Serrano Calderón (saxo) serán los músicos que la acompañarán el 2 de octubre, a las 8:00 p.m.

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Hana Kobayashi prepara su disco como cantautora (Gustavo Bandres/Archivo)
EL UNIVERSAL
martes 24 de septiembre de 2013  
El miércoles 2 de octubre a las 8:00 p.m. el Espacio Plural del Trasnocho Cultural recibirá a la cantante venezolana de origen japonés Hana Kobayashi como parte del ciclo Noches de Guataca.

En la actualidad, Hana es considerada como "una de las voces más destacadas de la nueva generación de cantantes". En esta ocasión, guiará al público por los sonidos y canciones que la han rodeado desde pequeña. Será un recorrido de anécdotas, recuerdos y sonidos conocidos y nuevos que conforman la carrera de Hana hasta el momento. Según la cantante, "será una especie de caja de pandora que se revela para conocer un poco más de las influencias de mi música."

En esta nueva aventura la acompañarán Gonzalo Teppa (bajo), Hugo Fuguet (guitarra), Anderson Quintero (batería), y Ezequiel Serrano Calderón (saxo), además de un invitado especial que forma parte de la historia de la música popular venezolana, quien Hana reserva como sorpresa y adelanta que es "cantautor, cineasta, polémico, honesto e irrepetible".

Hana comenzó su carrera musical a muy temprana edad, y desde entonces ha participado en infinidad de producciones de grupos como Embas, Míxtura, la agrupación electrónica Diva Gash, Primate y el compilado homenaje a Aldemaro Romero "Nueva Onda Nueva". Actualmente trabaja en la producción de su primer disco como cantautora bajo la producción de Rodner Padilla, Ezequiel Serrano Calderón, Luis Miguel Gil y Agustín Zubillaga.

Recientemente Hana fue reconocida por Amnisitía Internacional con el título de Emisora de Conciencia apoyando la campaña "Basta de Balas" en contra de la venta y porte de armas de fuego, y su primer sencillo "Normalidad" fue seleccionado para integrar el CD compilatorio Canta por una vida libre de Violencia2. Allí Hana presenta su faceta como cantautora.  También es imagen de su campaña "Remángate" para alertar acerca del peligro de las minas antipersonales.

Las entradas para Noches de Guataca, tienen un costo de Bs.180 y están a la venta en las taquillas del teatro y a través de la página web www.ticketmundo.com.  Más información a través del teléfono (0212)993.19.10 y la página web www.trasnochocultural.com

La perversidad, el rencor y la crueldad de esta gente jugando a un estallido social, es supremo, y las clínicas a su vez, no cambian estrategias de negociación.

Elogio de la crisis...

Ni Dios puede salvarnos de esta crisis humanitaria de gigantescas proporciones

RAFAEL MUCI-MENDOZA |  EL UNIVERSAL
domingo 22 de septiembre de 2013  
Es un brusco cambio en la evolución de la salud de un país muy enfermo, y para infortunio nuestro, para agravarse y fenecer... Se ha invertido un reloj cuya arena apenas durará siete semanas antes de la debacle... Ni Dios puede salvarnos de esta crisis humanitaria de gigantescas proporciones en la salud privada -que también es la pública- a la que adredemente nos ha llevado el régimen. Ahogaron sus finanzas al no honrar las deudas que el mismo gobierno contrajo; regularon los servicios por debajo de los costes; implantaron férreas regulaciones de contratación laboral y no adjudicaron divisas para importar tecnología e insumos; saturaron el sector privado con cerca de 9 millones de consultas con base al colapso previo de sus propios hospitales ruinosos; las aseguradoras, muchas del gobierno, quieren quedarse con el negocio de las clínicas, pactaron con los malvados y tampoco pagan, transformándose en socios comerciales y políticos que juegan a la quiebra.

Doloroso el estado del Banco Municipal de Sangre de Caracas que deja huérfanos a 40 mil pacientes, 75% de hemofílicos y peor aún, no se procesa el 65% de la sangre que la capital requiere, así que las emergencias cotidianas o producto de la violencia que han promovido, quedan al descampado. Desde hace 2 meses el gobierno suspendió el diálogo entre las partes... 

La perversidad, el rencor y la crueldad de esta gente jugando a un estallido social, es supremo, y las clínicas a su vez, no cambian estrategias de negociación. El médico común cree que no tocarán a su puerta y mira a otro lado. El único responsable ante la opinión pública es el Gobierno Nacional incapaz de ponderar, rectificar y garantizar el derecho al bienestar. ¡Por estos días, rece lo que sepa y cuide su salud, su bien más preciado... !

rafael@muci.com

lunes, 16 de septiembre de 2013

El violín que usó el director de la orquesta del Titánic mientras el barco se hundía será exhibido en Belfast antes de su subasta, anunció el lunes un museo de la capital norirlandesa.

El violín que usó el director de orquesta del Titanic será exhibido

El instrumento de Wallace Hartley fue hallado colgando del cuerpo del músico tras morir junto a otras 1.500 personas en el naufragio, en 1912.

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EL UNIVERSAL
lunes 16 de septiembre de 2013  

El violín que usó el director de la orquesta del Titánic mientras el barco se hundía será exhibido en Belfast antes de su subasta, anunció el lunes un museo de la capital norirlandesa.

El instrumento de Wallace Hartley fue hallado colgando de su cuerpo tras morir junto a otras 1.500 personas en el naufragio, en 1912.

Se creía que el violín, que tiene una inscripción de su novia en recuerdo de su compromiso, se había perdido, pero fue hallado en la buhardilla de una casa del noroeste de Inglaterra en 2006.

El instrumento se podrá ver del 18 de septiembre hasta el 13 de octubre en el museo de Belfast dedicado al naufragio, antes de su subasta en Wiltshire, sudoeste de Inglaterra, el 19 de octubre. 

"Nos sentimos honrados y excitados de que (el museo) Titanic Belfast haya sido elegido para exhibir el violín que Wallace Hartley tocó en el 'RMS Titanic'", dijo el director del museo, Tim Husbands.

"Esta podría ser una oportunidad única para ver uno de los objetos más famosos y valiosos del 'Titánic'", remarcó Husbands.

La orquesta del barco interpretó la canción religiosa Nearer, My God, To Thee("Más cerca, Dios mío, de ti") para calmar a los pasajeros mientras subían a los botes salvavidas después de la colisión del barco con un iceberg. 

Hartley y sus siete compañeros de la banda murieron.

Su novia Maria Robinson le regaló el violín en 1910. Grabada en una placa de plata, se leía la siguiente inscripción: "Para Wallace, con ocasión de nuestro compromiso. De María".

Se cree que el instrumento estaba en un bolso de piel que Hartley llevaba colgando cuando su cadáver fue descubierto, 10 días después del naufragio, y que fue entregado a Robinson.

La mujer nunca se casó y, tras su muerte en 1939, su hermana se lo dio a la banda de música de la organización caritativa Ejército de salvación, donde pasó por un profesor de música hasta acabar en las manos del propietario de la casa donde se descubrió, en Lancashire.

Tras siete años de pruebas, los expertos anunciaron en marzo pasado que se trata del instrumento que Hartley usó en la cubierta del Titánic.

Además del violín, se podrá ver el bolso de piel con las iniciales W.H.H.